9 meesterwerken van briljante kunstenaars die geweldige modeontwerpers inspireerden en unieke collecties creëerden

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Door de geschiedenis heen zijn mode en kunst hand in hand gegaan om een geweldige combinatie te creëren. Veel modeontwerpers hebben voor hun collecties ideeën ontleend aan artistieke stromingen, waardoor mode kan worden geïnterpreteerd als een kunstvorm die vooral dient om ideeën en visies uit te drukken. Onder invloed hiervan hebben enkele internationaal gerenommeerde modeontwerpers uitstekende collecties gecreëerd op basis van de artistieke stromingen van de 20e eeuw.

1. Madeleine Vionne

Madame Madeleine Vionne, geboren in Noord-Centraal-Frankrijk in 1876, stond bekend als 'de godin van de stijl en de koningin van het kleermakerswerk'. Tijdens haar verblijf in Rome was ze gefascineerd door de kunst en cultuur van de Griekse en Romeinse beschavingen en werd ze geïnspireerd door oude godinnen en standbeelden. Op basis van deze kunstwerken heeft ze de esthetiek van haar stijl vormgegeven en elementen uit de Griekse beeldhouwkunst en architectuur gecombineerd om het vrouwelijk lichaam een nieuwe dimensie te geven. Met haar vaardigheid in draperende en schuine jurken zorgde Madeleine voor een revolutie in de moderne mode. Ze raadpleegde vaak kunstwerken zoals The Winged Victory of Samothrace voor haar kunstcollecties.

De overeenkomsten tussen het meesterwerk van de Hellenistische kunst en de muze van Vionne zijn treffend. De diepe drapering van de stof in de stijl van de Griekse chiton zorgt voor verticale lichtstrepen die langs de figuur stromen. Het beeld is gemaakt als eerbetoon aan Nike, de Griekse godin van de overwinning, en wordt bewonderd om zijn realistische weergave van beweging. De vloeiende drapering van het Vionnet-ontwerp doet denken aan de beweging van golvende stof die zich aan Nike's lichaam hecht. Jurken kunnen zijn als levende wezens met een ziel, als een lichaam. Net als de Winged Victory of Samothrace creëerde Madeleine jurken die de menselijke essentie die diep van binnen verborgen was, wakker maken. Het classicisme, zowel een esthetische filosofie als een ontwerpfilosofie, gaf Vionne de mogelijkheid om haar visie in geometrische harmonie over te brengen.

Ze was ook gefascineerd door hedendaagse kunststromingen zoals het kubisme. Madeleine begon geometrische vormen in haar creaties op te nemen en gebruikte een andere methode om ze te snijden, de zogenaamde schuine rand. Vionne heeft natuurlijk nooit beweerd de schuine snede te hebben uitgevonden, maar het gebruik ervan alleen maar uit te breiden. Toen vrouwen aan het begin van de twintigste eeuw grote vooruitgang boekten in de strijd voor hun rechten, verdedigde Madeleine hun vrijheid door het langdurige Victoriaanse korset uit de dagelijkse kleding van vrouwen te schrappen. Daarom werd ze een symbool van de bevrijding van vrouwen van de beperkingen van de bustier en bracht ze in plaats daarvan nieuwe, lichtere stoffen uit die letterlijk op de lichamen van vrouwen vloeiden.

2. Pierpaolo Piccioli

Pierpaolo Piccioli is Valentino's hoofdontwerper en voelt zich zeer aangetrokken tot de religieuze werken van de Middeleeuwen. Het uitgangspunt van inspiratie voor hem is het overgangsmoment van de middeleeuwen naar de noordelijke renaissance. Hij werkte samen met Zandra Rhodes en samen ontwikkelden ze in het voorjaar van 2017 een inspirerende collectie. Piccioli wilde de punkcultuur van de late jaren 70 verbinden met humanisme en middeleeuwse kunst, dus keerde hij terug naar zijn roots en de renaissance, waarbij hij inspiratie opdeed in Jheronimus Bosch' schilderij De tuin der lusten.

De beroemde Nederlandse schilder was een van de meest prominente vertegenwoordigers van de noordelijke renaissance in de 16e eeuw. In de "Tuin der Lusten", die Bosch vóór de Reformatie schilderde, wilde de kunstenaar het paradijs en de schepping van de mensheid, de eerste verleiding van Adam en Eva, evenals de hel, anticiperende zondaars verbeelden. In het middelste paneel lijken mensen hun honger te stillen in een wereld van plezier. Bosch' iconografie valt op door zijn originaliteit en sensualiteit. Het hele plaatje wordt geïnterpreteerd als een allegorie van de zonde.

In de modewereld won het schilderij aan populariteit doordat verschillende modeontwerpers gefascineerd waren door de motieven. Door tijdperken en esthetiek te combineren, herinterpreteerde Piccioli de symbolen van Bosch met vliegende doorschijnende jurken, terwijl Rhodes romantische prints en geborduurde patronen creëerde die enigszins lijken op het originele kunstwerk. Kleuren maakten zeker deel uit van de boodschap die de ontwerpers wilden overbrengen. Zo is de collectie vliegende dromerige jurken gebaseerd op het noordelijke kleurenpalet van appelgroene, lichtroze en blauwe robin-eieren.

3. Dolce en Gabbana

Peter Paul Rubens schilderde op meesterlijke wijze vrouwen met liefde, leren en ijver. Hij presenteerde zijn "Venus voor de spiegel" als het hoogste symbool van schoonheid. Peter portretteerde uitsluitend haar lichte gezicht en blonde haar, wat contrasteert met de donkere meid. De spiegel is een absoluut symbool van schoonheid, die een vrouw omlijst als een portret en tegelijkertijd subtiel de naaktheid van de figuur benadrukt. De spiegel die Cupido voor de godin vasthoudt, toont de weerspiegeling van Venus als een representatie van erotische aantrekkingskracht en verlangen. Rubens, een van de grondleggers van de barokke kunst, en zijn concept van "kleuren over lijnen" beïnvloedde verschillende modeontwerpers, waaronder Dolce & Gabbana. De barokke stijl week af van de geest van de Renaissance, verliet sereniteit en strakheid en zocht in plaats daarvan elegantie, opwinding en beweging.

Modeontwerpers Domenico Dolce en Stefano Gabbana wilden een campagne maken die zowel de sensuele als de romantische kant van vrouwelijke schoonheid zou vieren. Peter Paul Rubens was de meest geschikte inspiratiebron. De creaties van het cultduo waren in grote harmonie met de kunst van de Vlaamse kunstenaar. In deze collectie poseerden modellen met grote adel, alsof ze net van een van Rubens' schilderijen waren gestapt. De decoraties zijn ontworpen om te lijken op barokke spiegels en borduurdetails. De gratie van de figuren en het pastelkleurenpalet werden prachtig benadrukt door de brokaatroze jurk. De keuze van modeontwerpers om een verscheidenheid aan modellen op te nemen, droeg verder bij aan het lichaamstype van die tijd. De gewelfde lijnen die Dolce en Gabbana gebruikten, gingen in tegen de discriminatie van verschillende lichaamstypes in de mode-industrie.

De Dolce and Gabbana Women's Fall 2012-collectie toont veel van de kenmerken van de Italiaanse barokke architectuur. Deze collectie past perfect bij de rijk gedecoreerde kenmerken van de Siciliaanse barokstijl. De ontwerpers richtten zich op barokke architectuur, zoals te zien in de katholieke kerken van Sicilië. Het referentiepunt was het schilderij van Rubens "Portret van Anna van Oostenrijk". Op haar koninklijk portret is Anna van Oostenrijk op Spaanse wijze afgebeeld. Anna's zwarte jurk is versierd met verticale strepen van groen borduursel en gouden details. Kunstig ontworpen jurken en capes gemaakt van luxe textiel zoals kant en brokaat zijn het belangrijkste kenmerk geworden van de Dolce en Gabbana-show, die met hun creativiteit de wereld veroverden.

4. Cristobal Balenciaga

Cristobal Balenciaga kan een ware meester worden genoemd die de damesmode in de twintigste eeuw heeft hervormd. Geboren in een klein dorpje in Spanje, bracht hij de essentie van de Spaanse kunstgeschiedenis in zijn hedendaagse projecten. Gedurende zijn hele carrière was Balenciaga onder de indruk van de Spaanse Renaissance. Hij zocht vaak inspiratie bij de Spaanse koninklijke familie en leden van de geestelijkheid. De modeontwerper transformeerde de kerkartikelen en kloostergewaden uit die tijd in draagbare modemeesterwerken.

Een van zijn grote inspiratiebronnen was de maniëristische El Greco, ook bekend als Dominikos Theotokopoulos. Als je naar kardinaal El Greco Fernando Niño de Guevara kijkt, zie je de overeenkomsten tussen de cape van de kardinaal en het ontwerp van Balenciaga. Het schilderij toont de Spaanse kardinaal Fernando Niño de Guevara uit de tijd van El Greco in Toledo. El Greco's ideeën zijn ontleend aan het neoplatonisme van de Italiaanse Renaissance, en in dit portret presenteert hij de kardinaal als een symbool van Gods genade. Het maniërisme is aanwezig in het hele plaatje. Dat is te merken aan een langgerekte figuur met een klein hoofd, sierlijke maar bizarre ledematen, intense kleuren en een afwijzing van klassieke maten en verhoudingen.

Balenciaga's passie voor historische kleding komt duidelijk naar voren in deze extravagante avondjas uit zijn collectie uit 1954. Hij had de visie en het vermogen om vormen op moderne wijze uit te vinden. De overdreven kraag van deze jas weerspiegelt de flodderige stijl van de cape van een kardinaal. De rode kleur van de kleding van de kardinaal symboliseert bloed en zijn bereidheid om te sterven voor het geloof. Het levendige rood werd door de beroemde ontwerper als buitengewoon beschouwd, omdat hij vaak de voorkeur gaf aan gedurfde kleurencombinaties en levendige tinten. Zijn grote innovatie was de eliminatie van de taille en de introductie van vloeiende lijnen, eenvoudige snitten en driekwartmouwen. Door dit te doen, heeft Balenciaga een revolutie teweeggebracht in de damesmode.

De ontwerper introduceerde ook armbanden met mouwen waarmee vrouwen hun sieraden konden laten zien. In de jaren zestig, met de geleidelijke introductie van vrouwen in de werkindustrie, kreeg Balenciaga een idee om comfort, vrijheid en functionaliteit te geven aan de vrouwen die hij kleedde. Hij promootte losse, comfortabele jurken die contrasteerden met de nauwsluitende silhouetten van die tijd.

5. Alexander McQueen

De Oostenrijkse kunstenaar, meester van de symboliek en grondlegger van de Weense afscheidingsbeweging, Gustav Klimt legde de basis voor de geschiedenis van de 20e-eeuwse kunst. Zijn schilderijen en artistieke esthetiek hebben modeontwerpers al lang geïnspireerd. Anderen zoals Aquilano Rimondi, L'Rene Scott en Christian Dior, de ontwerper die rechtstreeks naar Klimt verwees, was Alexander McQueen. In de Resort Spring / Summer 2013-collectie heeft hij unieke stukken ontworpen die geïnspireerd lijken te zijn door het werk van de kunstenaar. Kijkend naar een vloeiende zwarte jurk met een herhalend goudpatroon bovenop - kan een specifiek beeld in je opkomen. McQueen heeft abstracte, geometrische en mozaïekontwerpen in brons- en goudtinten gebruikt en verwerkt in zijn ontwerpen.

In 1905 schilderde Gustav Klimt het schilderij "The Embrace", waarop een paar wordt afgebeeld dat in een zachte omhelzing is gevangen, wat een symbool van liefde werd. De Oostenrijkse kunstenaar staat bekend om zijn gouden schilderijen, evenals de perfecte combinatie van abstractie en kleur die in deze werken aanwezig is. Alle mozaïeken hebben rijke gouden tinten met caleidoscopische of natuurlijke versieringen die een grote invloed hebben gehad op de mode. Dit schilderij valt op door de contrasterende geometrische vormen tussen de kleding van de twee geliefden. De herenkleding bestaat uit zwarte, witte en grijze vierkanten, terwijl de dameskleding is versierd met ovale cirkels en bloemmotieven. Zo illustreert Klimt op meesterlijke wijze het verschil tussen mannelijkheid en vrouwelijkheid. Alexander nam iets soortgelijks voor zijn kleding.

6. Christian Dior

Oprichter van het impressionisme en een van de grootste Franse schilders in de kunstgeschiedenis, Claude Monet liet een grote artistieke erfenis na. Monet gebruikte zijn huis en tuin in Giverny als inspiratiebron en legde het natuurlijke landschap vast in zijn schilderijen. Met name in het schilderij "The Artist's Garden at Giverny" slaagde hij erin het natuurlijke landschap te manipuleren in overeenstemming met zijn behoeften. Het contrast van de bruine onverharde weg tegen de levendige kleur van de bloemen vormt een aanvulling op het tafereel. De beroemde impressionist koos vaak de irisbloem vanwege zijn paarse kleur om het effect van een felle zon te creëren. Dit schilderij is vol leven als bloemen bloeien en begroeten en de lente omarmen. Rozen- en lila bloemblaadjes, irissen en jasmijn maken deel uit van een kleurrijk paradijs afgebeeld op wit canvas.

In dezelfde geest heeft Christian Dior, een pionier van de Franse mode, een enorme stempel gedrukt op de modewereld die nog steeds voelbaar is. In 1949 ontwierp hij een haute couture collectie voor het lente/zomer seizoen. Een van de hoogtepunten van deze tentoonstelling was de iconische Dior-jurk, volledig geborduurd met bloemblaadjes in verschillende tinten roze en paars. Dior illustreerde perfect de twee werelden van kunst en mode en imiteerde de esthetiek van Monet in deze functionele jurk. Hij bracht veel tijd door op het platteland en schilderde zijn collecties in zijn tuin in Granville, net als Monet. Zo definieerde hij de elegante Dior-stijl door het kleurenpalet en bloemenpatronen van Monet in zijn creaties op te nemen.

7. Yves Saint Laurent

Mondriaan was een van de eerste kunstenaars die in de 20e eeuw abstracte kunst maakte. Geboren in Nederland in 1872, stichtte hij een hele kunstbeweging genaamd De Stijl. Het doel van de beweging was om hedendaagse kunst en leven te verenigen. Deze stijl, ook wel neoplasticisme genoemd, was een vorm van abstracte kunst waarbij het gebruik van alleen geometrische principes en primaire kleuren zoals rood, blauw en geel werd gecombineerd met neutrale tinten (zwart, grijs en wit). Pete's innovatieve stijl van de vroege jaren 1900 dwong modeontwerpers om deze pure vorm van abstracte kunst te reproduceren. Het beste voorbeeld van deze stijl van schilderen is Compositie met rode, blauwe en gele kleuren.

Als kunstliefhebber verwerkte de Franse modeontwerper Yves Saint Laurent de schilderijen van Mondriaan in zijn haute couture-creaties. Hij werd voor het eerst geïnspireerd door het werk van Pete toen hij een boek las over het leven van de kunstenaar dat zijn moeder hem voor Kerstmis had gegeven. De ontwerper sprak zijn waardering uit voor de kunstenaar in zijn herfstcollectie van 1965, bekend als de Mondriaan-collectie. Geïnspireerd door de geometrische lijnen en gedurfde kleuren van de kunstenaar, presenteerde hij zes cocktailjurken die zijn iconische stijl en de jaren zestig in het algemeen vierden. Elke jurk van Mondriaan was net iets anders, maar ze hadden allemaal een eenvoudige A-lijn en een mouwloze knielengte die perfect was voor elk lichaamstype.

8. Elsa Schiaparelli

Elsa Schiaparelli, geboren in 1890 in een aristocratische familie in Rome, uitte al snel haar liefde voor de modewereld. Ze begon haar revolutionaire stijl te ontwikkelen, geïnspireerd door futurisme, dada en surrealisme. Naarmate haar carrière vorderde, kwam ze in contact met beroemde surrealisten en dadaïsten als Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp en Jean Cocteau. Ze werkte zelfs samen met de Spaanse kunstenaar Salvador Dali.

Een van de grootste samenwerkingen in de modegeschiedenis was de samenwerking tussen Dali en Elsa Schiaparelli. Deze jurk is gemaakt met Salvador Dali als onderdeel van Schiaparelli's circuscollectie in de zomer van 1938. De jurk verwijst naar het schilderij van Dali, waarop hij vrouwen met vervormde lichaamsverhoudingen afbeeldde.

Voor surrealistische kunstenaars was de zoektocht naar de ideale vrouw gedoemd te mislukken, aangezien het ideaal alleen in hun verbeelding bestond, niet in de werkelijkheid. Het was echter niet Dali's bedoeling om vrouwen realistisch te portretteren, dus hun lichamen zijn helemaal niet esthetisch. Schiaparelli wilde experimenteren met dit spel van het verbergen en onthullen van het lichaam, om de illusie van kwetsbaarheid en onzekerheid te creëren. De jurk met de illusie van tranen was gemaakt van lichtblauwe zijden crêpe, een eerbetoon aan Salvador en zijn onevenredige vrouwen.

9. Gianni Versace

Het tijdperk van de Pop Art was waarschijnlijk de meest invloedrijke periode voor modeontwerpers en kunstenaars in de kunstgeschiedenis. Andy Warhol was een pionier in de mix van popcultuur en high fashion, waardoor hij een iconisch symbool van de popart-beweging werd. In de jaren zestig begon Warhol zijn kenmerkende techniek toe te passen die bekend staat als zeefdruk.

Een van zijn vroegste en ongetwijfeld zijn beroemdste werken was het Marilyn-diptiek. Voor dit stuk liet hij zich niet alleen inspireren door de popcultuur, maar ook door de kunstgeschiedenis en abstract expressionistische kunstenaars. Andy legde de twee werelden vast van Marilyn Monroe, het sociale leven van een Hollywood-ster en de tragische realiteit van Norma Jeane, een vrouw die worstelde met depressie en verslaving. Het tweeluik versterkt links de trilling, terwijl het rechts verdwijnt in duisternis en vergetelheid. In een poging om een consumptiemaatschappij en materialisme te vertegenwoordigen, portretteerde hij individuen als producten in plaats van mensen.

De Italiaanse ontwerper Gianni Versace had een langdurige vriendschap met Andy Warhol. Beide mannen waren gefascineerd door de populaire cultuur. Ter ere van Warhol droeg Versace zijn lente-/zomercollectie uit 1991 aan hem op. Een van de jurken had Warhol-prints met Marilyn Monroe. Hij verwerkte de levendige zijden portretten van Marilyn en James Dean uit de jaren zestig in rokken en maxi-jurken.

En in het verlengde van het onderwerp mode, schoonheid en buitengewone ideeën, lees ook over hoe moderne kunstenaars hebben van make-up een echt kunstwerk gemaakt.