"Divine Comedy" door de ogen van kunstenaars en beeldhouwers uit het verleden: Botticelli, Blake, Rodin, enz

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

The Divine Comedy is een Italiaans werk van Dante Alighieri, de meest echte inspiratiebron voor makers van over de hele wereld. De verborgen symboliek, semantische lading en filosofie van dit renaissancewerk zette de bekende creatieve genieën ertoe aan er niet alleen belangstelling voor te tonen, maar ook om de in de tekst gepresenteerde beelden in hun eigen stijl op te spelen.

De Goddelijke Komedie en het originele manuscript, evenals alle daaropvolgende kopieën, werden te allen tijde beschouwd en worden nog steeds beschouwd als de meest schatkamer, het hart van de literaire wereld, in het bijzonder poëzie in het genre van het epos. Het plot dat draait om de hoofdpersoon met dezelfde naam is grotendeels autobiografisch, met uitzondering van de bovennatuurlijke elementen die in het hele verhaal aanwezig zijn.

Het epos, net als de werken van Homerus, Sophocles (toneelschrijver), Ovidius en Vergilius, die een grote invloed hadden op de Italianen van de 13e-14e eeuw, doet geweldig werk door religieuze en politieke ideologieën te mengen, en vooral liefde, of wat de auteur als goddelijke liefde beschouwt. Dante's beschrijvingen bieden aangrijpende beelden die tot de verbeelding spreken en mannen en vrouwen inspireren tot veel van de wonderen van hyperrealisme.

Alighieri's werk is het toppunt van menselijke emotie dat de diepten onderzoekt van wat menselijke connectie is, en hiermee brengt Dante expressionisme naar poëzie en kunst, een functie die niet alleen kunstenaars wereldwijd door de eeuwen heen en in een groot aantal mediaformaten zal beïnvloeden, maar zal creëren ook een ongekende verschuiving in de kunst naar zichzelf.

Het eerste deel van dit gedicht van Dante, en waarschijnlijk het meest populaire (ook onder kunstenaars) is "Hell", een verhaal over zijn reizen door de negen cirkels van de hel om zijn liefde - Beatrice - te herenigen / redden. Dante's reizen zijn bedoeld om dit proces om te keren en de obstakels te verwijderen die hem van God afhouden, wat alleen kan worden bereikt door zich over te geven aan Beatrice's ziel en haar capaciteiten. Dit suggereert dat gek worden in naam van liefde de onsterfelijkheid waard is die het kan brengen.

Dante zelf ging van berucht naar beroemd vanwege zijn werk en twijfels over de katholieke kerk. De ballingschap en de eenzaamheid die volgden waren enkele van de eerste katalysatoren als het ging om The Divine Comedy. Het diende ook als een uitstekende schakel tussen Dante en de kunstenaars, die met grote ijver en interesse hele passages van het legendarische werk in hun werken afschilderden.

Hoewel The Divine Comedy oorspronkelijk door Dante zelf werd geïllustreerd, voelden de kunstenaars zich verplicht om hun eigen beelden uit de opzienbarende tekst weer te geven. Een van de eerste belangrijke kunstenaars die deze taak op zich nam, was Luca Signorelli, een renaissanceschilder uit de 15e-16e eeuw die bekend stond om zijn vermogen om de menselijke vorm te voorzien. Ondanks het feit dat Luca's werk geen exacte kopie is van Dante's geschilderde scène, liet de kunstenaar een ontwerp achter met de naam Inferno XVI. De scène toont sodomieten, zowel mannen als vrouwen, maar meestal mannen, met de nadruk op de drie Welfen die allemaal hand in hand gaan, genoemd door Dante in Canto XVI, waar de hoofdpersoon en zijn gids Virgil boven staan, neerkijkend op de decimering.

In de loop van de tijd werd The Divine Comedy steeds populairder en standaard in de wereld van de bevoorrechten en opgeleiden. Velen probeerden kaarten te illustreren die overeenkwamen met de verhaallijn, maar deze mode werd later afgezwakt door een meer psychologische kijk op de personages in de tekst. Het begon in de 18e eeuw met de vooraanstaande kunstenaar en oprichter van de Royal Academy of Arts in Engeland, Joshua Reynolds. Hij schilderde een groepsportret genaamd Ugolino en zijn kinderen, een tafereel dat vanwege het groteske karakter van bijzonder belang was voor beeldend kunstenaars. Het verhaal van Ugolino is het verhaal van een politieke verrader voor wie de negende cirkel van de hel is gereserveerd. Ugolino is zelfs een van de laatste overlevenden van de oorlogen, waar hij werd gevangengenomen en opgesloten. Terwijl hij in de gevangenis zit, knaagt hij aan zijn eigen handen, en zijn kinderen, denkend dat hij sterft van de honger, bieden hem hun lichamen aan voor consumptie.

Dit werk is een uitstekend stuk, dat nieuwe retoriek brengt in een geschiedenis die nu honderden jaren oud is, en zijn neoklassieke stijl met de hoogste waardigheid laat zien, zelfs met de verachtelijke acties die zijn getoond.

Een andere Engelse kunstenaar van de koninklijke academie, Henry Fuseli (Heinrich Fuseli), laat een paar decennia later een schril contrast met Reynolds in zijn portret van Ugolino en zijn zonen die verhongeren in een toren. De gravure toont de antagonist als een zieliger wezen.

Henry's werk beïnvloedde de multi-getalenteerde William Blake, die ook Ugolino als onderwerp nam voor zijn schilderij Ugolino and His Sons in a Cell. Blake, wiens donkere beelden in andere werken te zien zijn, brengt een nieuwe luchtigheid in dit thema. Twee engelen zweven boven de personages en brengen een stralende schittering in de koude kamer waarin ze worden vastgehouden. Dit beeld is opvallend anders, en er is enige rust in de aanloop naar de belangrijkste gebeurtenis van kannibalisme die op het punt staat plaats te vinden. Blake gebruikt dit hoogstwaarschijnlijk om zich te concentreren op het offer dat de kinderen op het punt staan te brengen in een daad van kinderlijke vroomheid, en werkt om hun onschuld en redding door de engelen te vangen. Blake brengt het idee naar voren dat deze kinderen niet zullen worden gedwongen om te boeten voor de zonden van hun vader, en dat hun dood in dit scenario het eervolle en beste is dat hen kan overkomen.

Ondertussen, in dezelfde periode van de 19e eeuw, lieten Franse kunstenaars zich inspireren door Dante's liturgische manuscripten. Jean Auguste Dominique Ingres sprak de beelden van ontrouw en overspel aan via zijn schilderij Gianciotto Catches Paolo en Francesca. De context die rond de liefdesdriehoek draait, is dat Francesca haar minnaar, Giancotto, Paolo's broer, verleidt. Dante ziet dit tijdens zijn reizen door de hel, en Ingres legt de climax vast wanneer Giancotto hoort van het verraad van zijn vrouw. Giancotto komt binnen, zwaard in de hand, en ziet zijn broer zijn lippen op de fleurig geklede bruid van zijn broer drukken. Ingres neemt een prachtig perspectief in, met de zwaardvechter die van achter het tapijt stapt, terwijl de geliefden zich niet bewust zijn en genieten van het moment in extatische gelukzaligheid.

Ingres' Franse tijdgenoot, Eugene Delacroix, ging in op het thema van de pelgrimsreis op het water met Virgilius in Dante's boot.

Het verhaal dat hij presenteert is dat van Dante en Virgil die met Phlegia zeilen op een meer dat lijkt op de Griekse rivier de Styx, op weg naar de helse stad Dis. De romantische Delacroix, die verdergaat in de vorm van een piramidale compositie, gebruikt het palet op dezelfde manier om het oog te richten en een melodrama te creëren. Het psychologische portret van The Divine Comedy strekt zich uit met dit werk. De doden portretteren een betoverend realisme, maar blijven in harmonie met het groteske karakter dat ze met zich meedragen. Virgil en zijn metgezel zien er extreem nerveus uit als ze langs degenen varen die hun hele leven als een verschoppeling hebben doorgebracht.

Een andere Dante, Dante Gabriel Rossetti, een kunstenaar van de Prerafaëlitische Broederschap en tevens schrijver en vertaler, zag het fictieve epos ook aan voor zijn symboliek. Rossetti raakte goed bekend met het werk van zijn naamgenoot en vertaalde het gedicht in het Engels. Een paar jaar later begon de kunstenaar te werken aan een portret dat zijn eigen geliefde symboliseerde, genaamd 'Gezegende Beatrice'. Dit stuk is sierlijk ingelijst in de vorm van een tweeluik. Beatrice, opgewekt afgebeeld, leek tevreden of berustte in haar dood, terwijl de minnaar, door haar in de steek gelaten, zeer verontrust was.

De kus is een thema dat in de loop van de kunstgeschiedenis terugkeert, maar dit thema wordt toegeschreven aan de overspelige geliefden Paolo en Francesca. In zijn marmerwerk voorspelde Auguste Rodin een fataal einde voor een gepassioneerd stel. Onbewust in de gaten houden, geven ze zich met roekeloze toewijding volledig aan elkaar over en bepalen daarmee hun lot met zo'n onbezonnen daad.

Hell's Gate was een meesterproject dat vele jaren in beslag nam en voor onbepaalde tijd werd uitgesteld. Rodin beeldhouwde honderden figuren die verschillende personages uit Dante's reis door de hel uitbeelden, die eindigde in een adembenemend schouwspel.

Deze voorbeelden zijn slechts enkele van de vele die artistieke inspiratie putten uit de grote verhalenverteller Dante, en elk jaar verschijnen er steeds meer nieuwe werken van kunstenaars over de hele wereld. The Divine Comedy portretteert menselijke emoties op zo'n manier dat beeldende kunst slechts één frame tegelijk kan vastleggen, terwijl het onze verbeeldingskracht levendiger tot leven brengt. Deze kunstenaars laten in zoveel verschillende sets de complexiteit zien die wordt veroorzaakt door de tijdloze tekst die ons begrip van kunst in het algemeen vormt, en door hun eigen werelden te creëren, heeft Dante de onze geholpen.

Voortzetting van het thema van schrijvers en kunstenaars - lees over wat eigenlijk Oscar Wilde en Aubrey Beardsley met elkaar verbond, en waarom ze elkaar zo fel probeerden te pesten, maar tegelijkertijd werden ze altijd een steun voor elkaar in moeilijke tijden.