Beroemde jurken in de schilderkunst, waaraan men kan beoordelen wat de mode van die tijd was

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Sinds onheuglijke tijden hebben kunst en mode elkaar beïnvloed, waardoor critici en fashionista's gedwongen werden nieuwe trends op de voet te volgen die elkaar haastig vervangen. En terwijl sommigen de foto beoordeelden in termen van technische kenmerken, renden anderen naar de kleermakers om al snel een jurk te krijgen die precies leek op die van de heldinnen die op de doeken zijn afgebeeld.

1. Renaissance

De Renaissance was een tijd van culturele en artistieke heropleving toen het classicisme een revolutionaire terugkeer maakte naar de Europese samenlevingen. Deze periode zag echter ook belangrijke veranderingen in de mode. Zie hoe beroemde jurken in schilderijen de mode beïnvloedden tijdens de Renaissance.

"Portret van het Arnolfini-paar" van Jan van Eyck is een van de belangrijkste elementen van de studie van stof in portretschilderen. Het smaragdgroene wollen kledingstuk van de vrouw en de met hermelijn gevoerde mouwen tonen de familiestatus, aangezien alleen de rijken zich dit soort stof konden veroorloven. Wol, zijde, fluweel en bont waren zeldzaam en duurder om te produceren dan katoen of linnen, en waren een symbool van status en rijkdom. Een van de meest controversiële vragen rond het schilderij is of de afgebeelde vrouw (vermoedelijk de vrouw van Arnolfini) zwanger is. Renaissance-rokken waren zo weelderig en zwaar dat vrouwen ze optilden om het bewegen gemakkelijker te maken.

De toegevoegde ronde plooien van de jurk laten ook een trend zien naar het afbeelden van vrouwen met een uitgesproken buik, omdat het erop duidde kinderen te verwekken tijdens het huwelijk. Een ander voorbeeld hiervan is Les Très Riches Heures du Duc de Berry van de gebroeders Limburg. Op beide afbeeldingen worden vrouwen afgebeeld met meer ronde buiken. Het Magnifieke Getijdenboek van de Hertog van Berry toont een bruiloft en is vergelijkbaar met het portret van Arnolfini, aangezien beide vrouwen een beeld van het moederschap projecteren in afwachting van de zwangerschap. Zonder het schilderij vanuit een modern perspectief te bekijken, kan men het zien als een verslag van wat de vrouwen droegen en wat belangrijk was voor mensen om aan anderen te laten zien.

2. De barok- en rococo-periode

De barok- en rococo-periodes worden gekenmerkt door een exquise decor, decadentie en speelsheid. Deze tendensen manifesteerden zich niet alleen in de kunst, maar ook in de mode door ingewikkelde ornamenten en luxueuze jurken. Bekijk enkele van de beroemde op kunst geïnspireerde jurken.

De aandacht voor detail en kleding van een onbekende kunstenaar maakt Elizabeth Clark Frick (Mrs. John Frick) en Little Mary tot een belangrijk record van New England Puritans. In deze look draagt Elizabeth fijne Amerikaanse stoffen en accessoires uit de 17e eeuw. Haar witte kanten kraag duidt op het populaire Europese kant dat onder aristocratische vrouwen wordt gevonden. Een met goud geborduurde fluwelen petticoat is zichtbaar van onder haar jurk en linten sieren de mouwen. Ook heeft een vrouw sieraden: een parelketting, een gouden ring en een granaatarmband, wat op zijn beurt spreekt van status en welvaart. Dit schilderij biedt een uniek perspectief op het puriteinse leven van Elizabeth en haar familie.

Het is ook vermeldenswaard dat de kunstenaar meesterlijk erin slaagde afbeeldingen van rijkdom in een bescheiden setting te mengen. Het schilderij toont duidelijk Elizabeth's rijkdom en benadrukt haar mooiste kleding en sieraden. Het weerspiegelt ook de rijkdom van haar man, John Frick, die het zich kon veroorloven om aan alle grillen van zijn vrouw te voldoen door verschillende soorten outfits en sieraden voor haar te kopen. Daarnaast symboliseert de afbeelding hun puriteinse houding van dankbaarheid jegens God, want zonder Zijn zegen hadden ze zo'n luxe niet gehad.

De Swing van Jean-Honore Fragonard is een voorbeeld van de Rococo-stijl in Franse aristocratische kringen. Het schilderij werd in privé-opdracht gemaakt toen een Franse hoveling de kunstenaar vroeg om zijn eigen portret en dat van zijn minnares te schilderen. Ondanks dat het schilderij achter gesloten deuren werd bewaard, onthult het de luxe, frivoliteit en het geheime karakter van het Franse koninklijke hof.

De pastelroze jurk valt op tussen de weelderige tuin en is het middelpunt van de aandacht. Jean schilderde de jurk met losse penseelstreken die de wijde rokken en het gegolfde lijfje van haar jurk nabootsen. Zijn losse penseel past bij de plot van deze idyllische tuinscène vol flirterige en grillige beelden.

Zijn schilderij toont ook de trends aan het Franse hof voor mode. Rococo overstijgt mode, kunst en architectuur om iets unieks Frans te creëren. Rococo-mode omvatte de meest luxueuze stoffen, waaronder pastelkleurige zijde, fluweel, kant en bloemenpatronen, evenals een buitensporige hoeveelheid strikken, edelstenen, franjes en ornamentele versieringen om een look te creëren waar hovelingen en gasten zich op zouden oprollen. hun hoofd hebben. Stijl definieerde het verschil tussen arm en rijk, aangezien de aristocratie zich de luxe van prachtige stoffen en ornamenten kon veroorloven. Voor vrouwen die deze rococo-geïnspireerde outfits dragen, is het schilderij de belichaming van het Franse koninklijke hof vóór de revolutie.

3. Beroemde jurken in de schilderijen van de 19e eeuw

In de 19e eeuw vond een artistieke verschuiving plaats van neoclassicisme naar vroegmodernisme, waarbij stijlen en stromingen plaats maakten. Deze eeuw zag ook een verandering in de mode. Lees verder om te zien hoe de schilderijen de opkomst van beroemde jurken en stijlen beïnvloedden die merkbaar moderner waren dan voorheen.

Art for Art werd geassocieerd met Symphony in White No. 1 van James Abbott McNeill Whistler, die het schilderij een spirituele betekenis wilde geven. Critici zagen dit echter niet allemaal, omdat het schilderij de minnares van de kunstenaar afbeeldde, gekleed in een lichte witte jurk. Als gevolg hiervan werd dit portret schandalig. Tijdens de jaren 1800 omvatte dameskleding vaak een hoepelrok van staal. Vrouwen droegen ook korsetten tussen een verscheidenheid aan andere lingerie-items om bredere rokken te kunnen creëren.

"De vrouw in het wit" is het tegenovergestelde van wat in die tijd modieus en spraakmakend was. De jurk van de hoofdpersoon op de foto was een soort ondergoed dat een echtgenoot of een minnaar kon zien, omdat men geloofde dat dergelijke kleding heel gemakkelijk uit te trekken was. Voor Whistler moest zijn muze deel uitmaken van een scène die een lust voor het oog was. Hij portretteerde Hiffernan zoals hij haar zag, en voor de kijkers in die tijd was de foto zowel verwarrend als een beetje onfatsoenlijk. Met de komst van 1900 werd zo'n jurk echter de norm voor dagelijks gebruik.

James Tissot maakte aan het eind van de 19e eeuw veel schilderijen met damesmode. Hij liep voor op de Europese mode en staat bekend om het schilderen van zijn onderwerpen met de laatste modetrends in het achterhoofd. Aan het eind van de 19e eeuw begon de damesmode onder jonge dames in Parijs en Londen te veranderen. De brede en zware rokken van hun Victoriaanse voorgangers werden vervangen door smallere met gezwollen plooien aan de achterkant.

Op het schilderij "Miss Lloyd" is de heldin gekleed in een jurk zoals die in die tijd in de samenleving werd gedragen, met de nadruk op de smalle taille en het zandloperfiguur. "Portret van Kathleen Newton" (zijn toenmalige metgezel) is het tegenovergestelde van het beeld van Miss Lloyd. De kunstenaar portretteerde een vrouw in een jurk alsof ze loomheid en verleiding uitstraalt. Beide vrouwen hebben echter hun eigen speciale charme en mysterie om hen heen. De jurk zelf symboliseert de verschillen in de populaire cultuur in die tijd. Het ene beeld is traditioneel en conventioneel, terwijl het andere rond 1800 ronduit intiem en schandalig is voor kijkers.

John Singer Sargent creëerde het beeld van een vrouw, dat, hoewel onaanvaardbaar voor zijn tijd, een van zijn meest herkenbare en gerespecteerde schilderijen werd. Dit is een portret van Madame Virginie Gautreau, een Amerikaanse schoonheid vermengd met de Franse high society. Dit veroorzaakte zo'n schandaal dat John zelf Parijs moest verlaten naar Londen.

Haar korset is extreem gericht naar de onderbuik. Een scherpe, diepe v-hals en schouderbanden met kralen bedekken nauwelijks de schouders en onthullen wat als intieme delen van een vrouw werden beschouwd, ongepast voor openbare vertoning. Nadat Sargent het schilderij presenteerde op de Parijse Salon van 1884, veroorzaakte het verontwaardiging van critici en toeschouwers, omdat het niet gepast is voor een getrouwde vrouw uit de hogere klasse om in zo'n provocerende vorm te zijn. Het leek voor het publiek in de Salon dat de heldin van de foto ondergoed droeg, geen jurk. En Gautreau's reputatie in de ogen van mensen begon naar nul te glijden, omdat velen haar als een obsceen persoon beschouwden. Uiteindelijk verwijderde Sargent haar naam van het portret en hernoemde het "Madame X".

4. Beroemde jurken in de schilderijen van de twintigste eeuw

Kunst in de twintigste eeuw was gericht op abstractie en expressie en onderging belangrijke veranderingen met nieuwe stijlen en thema's. Het leidde ook tot de verkenning van nieuwe vormen en syntheses van mode en kunst. Hier worden de beroemde jurken getoond die in de twintigste eeuw op schilderijen te zien waren.

De gouden jurk van Adele Bloch-Bauer onderscheidt zich van de rest van de high society kleding van haar tijd. In plaats van een vrouw uit de hogere klasse te portretteren die in een tuin ontspant of op een bank leest, transformeert Klimt Adele in een buitenaardse figuur. Haar jurk is een wervelende figuur gevuld met driehoeken, ogen, rechthoeken en iconografie. Er zijn geen tekenen van rechte veterkorsetten of kledinglagen. Modern bevat thema's van de natuur en mythische afbeeldingen. Dat geldt ook voor de bohemian mode, die Gustav zelf droeg en in verschillende andere schilderijen gebruikte.

Hij schilderde vaak tekeningen van modeontwerper Emily Flege. Ze is niet zo bekend in de modewereld als haar tijdgenoten of voorgangers, maar ze deed het goed in het creëren van mode voor de vrouwen van haar tijd. Soms was het een samenwerking, want Gustav gebruikte haar beroemde jurken in veel van zijn andere schilderijen.

Tamara Lempicka maakte in de jaren twintig portretten die vrouwelijkheid en onafhankelijkheid verkenden. De art-decokunstenaar werd bekend door haar portretten van beroemdheden die de gestileerde en gepolijste vorm van het kubisme verkenden die haar handelsmerk werd. Ira Perrault (een goede vriend en waarschijnlijk minnares van Lempicki) wordt gezien als een letterlijke manifestatie van de muziek in La Musicienne. Wat de foto opvalt, is de afbeelding van een blauwe jurk. Tamara's harde schaduwgiettechniek met haar rijke kleurenpalet geeft beweging aan de jurk, zodat het lijkt alsof het in de lucht zweeft. De korte zoom van de jurk en de vloeiende plooien doen nog steeds denken aan de mode uit de jaren 20 die een keerpunt was in de damesmode. Vrouwen droegen jurken die hun benen en armen ontblootten, en geplooide rokken die het dansen gemakkelijker maakten.

Tamara werd geïnspireerd en bestudeerd door meesters uit de Renaissance en gebruikte vergelijkbare thema's met een moderne insteek. Traditioneel is blauw te zien op de jurken van de Maagd Maria in middeleeuwse of renaissanceschilderijen. Ultramarijnblauw was zeldzaam en werd gebruikt voor belangrijke schilderijen.

In het werk van Frida Kahlo zijn kleurrijke en handgemaakte Mexicaanse stoffen geweven. Ze omarmde deze kledingstukken als onderdeel van haar nalatenschap en droeg ze in tal van zelfportretten en foto's. De beroemde jurken in The Two Fridas symboliseren haar banden met beide kanten van haar Europese en Mexicaanse afkomst.

Frida aan de linkerkant weerspiegelt haar opvoeding in een gezin uit de hogere middenklasse. Haar vader kwam oorspronkelijk uit Duitsland en het huiselijk leven als kind bevatte westerse gebruiken. Het witte kant van de jurk symboliseert de stijl die populair is in de Europese mode. Deze verwesterde versie contrasteert met de wens van de rechtse Frida om haar Mexicaanse afkomst te omarmen door een traditionele jurk te dragen. Deze kleding is iets dat haar man Diego Rivera aanmoedigde, vooral in hun strijd om hun land te veranderen. De jurk toonde haar trots op het dragen van lokale en traditionele kleding uit Mexico.

Kahlo's kleding is een belangrijk aspect van haar leven en werk. Nadat ze als kind polio had opgelopen en het ene been korter werd dan het andere, werden kleurrijke rokken voor haar een manier om haar been te verbergen op zo'n manier dat ze haar tegen controle beschermde. De garderobe van de kunstenaar omvatte tehuana-jurken, huipil-blouses, rebozo, gebloemde hoofdtooien en antieke sieraden. Deze kledingstukken voor Kahlo zijn een illustratie van haar liefde, pijn en lijden, die ze in haar werk verwerkte.

Wat betreft, hoe de kimono door de eeuwen heen is veranderd en welke rol het heeft gespeeld in kunst en moderne mode, lees het volgende artikel.