Hoe de Amazone van de Russische avant-garde Parijs en verder veroverde: Natalia Goncharova

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Natalia Goncharova is een uitstekende Russische kunstenaar, ontwerper en schrijver. Ze werd over de hele wereld beroemd dankzij haar heldere, sappige en buitengewone werken die verschillende stijlen combineren: van fauvisme en kubisme tot futurisme en art nouveau. Ze stond ook bekend om haar kostuums en decors voor ballet en theater, die opvielen in hun veelzijdigheid en ontwerp dat ongebruikelijk was voor die tijd.

Tijdens de eerste twee decennia van de 20e eeuw nam de Russische kunst nieuwe stijlen en filosofieën van West-Europese kunst op en bewoog zich naar de voorgrond van de cultuur. Goncharova en haar man Mikhail Larionov, met hun werk en inspanningen om tentoonstellingen en creatieve teams te organiseren, bevonden zich in het centrum van deze artistieke revolutie, die voorafging aan en vergezeld ging van de politieke onrust in het land.

Natalia werd geboren in Nagaevo in Centraal-Rusland. De familie Goncharov verloor tegen het einde van de 18e eeuw hun fortuin op basis van de vlasproductie. De beroemde dichter Pushkin trouwde met een van haar voorouders, Natalia Goncharova, naar wie ze werd genoemd. Haar vader was architect. De familie van Natalia's moeder, de familie Belyaev, baarde verschillende priesters en stond bekend als beschermheren van muziek.

In haar vroege jaren ging Natalya naar een gymnasium in Moskou. En op een meer bewuste leeftijd, nadat ze had besloten kunstenaar te worden, ging ze naar de school voor schilderkunst, beeldhouwkunst en architectuur (Moskou), waar ze beeldhouwkunst studeerde bij Pavel Trubetskoy, die werkte in de stijl van Auguste Rodin. Ze verliet de universiteit drie jaar later, ondanks het winnen van een zilveren medaille en het niet voltooien van een studieperiode van tien jaar voor het curriculum. Dit viel samen met haar aanvaarding van de schilderkunst als haar favoriete medium van expressie.

1. Carrière en echtgenoot

Tegen 1900 ontmoette Goncharova haar toekomstige echtgenoot, Mikhail Larionov. Hij ging ook naar de universiteit, maar dan naar de schilderafdeling. Haar beslissing om te gaan schilderen werd gesteund door Mikhail, haar passie voor het spel van licht en harmonie van kleur in de toekomst werd het kenmerk van de kunstenaar.

Zoals veel Russische kunstenaars van haar tijd, waren de eerste jaren van de twintigste eeuw een periode van kennismaking en acceptatie van de stijlen die zich in de hoofdsteden van West-Europa ontwikkelden. In die tijd voelde ze zich aangetrokken tot het impressionisme en het divisionisme, stijlen die respectievelijk geassocieerd werden met Monet en Seurat. Beide stijlen benadrukten niet het beeld van vaste objecten, maar het vangen van licht (kleur) dat van het object naar het oog werd gereflecteerd. Hierdoor was de tekening meestal los en lag de nadruk zowel op kleur als verfstreken. Dit leidde tot een bewustzijn van verf, penseelstreken, textuur en schilderen op canvas. Deze twee stijlen waren essentieel om de kunst te bevrijden van een puur representatief karakter. Kunstenaars begonnen te beseffen dat kunst een esthetische uitdrukking is, geïnspireerd door het uiterlijk van de fysieke wereld, maar er niet afhankelijk van.

Ooit organiseerde de grote Russische balletimpresario Diaghilev de opname van de collectie schilderijen van Goncharova en Larionov in het Russische gedeelte van de Herfstsalon in Parijs. Hun opname in deze nieuw opgerichte jaarlijkse tentoonstelling van nieuwe radicale kunst (in hetzelfde jaar 1906 werd de eerste groep Fauves daar gepresenteerd) getuigt van het feit dat beide kunstenaars werden beschouwd als modellen van de avant-garde tendensen van hun land. De volgende negen jaar, vóór haar emigratie uit Rusland, nam Natalia deel aan een aantal belangrijke tentoonstellingen, waarvan zij en Mikhail vele organiseerden. Tijdens deze periode werd ze ook gepresenteerd op de post-impressionistische tentoonstelling van 1912, georganiseerd door Roger Fry in de Grafton Gallery in Londen, evenals op persoonlijke tentoonstellingen in Moskou en St. Petersburg, en op een tentoonstelling in de Paul Guillaume Gallery in Parijs met de catalogus van de beroemde criticus Apollinaire.

2. Stijl van districtisme

De halve eeuw die aan het begin van de oorlog voorafging, was een periode van snelle ontwikkeling van de schone kunsten in Rusland. Natalia liep voorop in deze beweging.

Verrassend genoeg kwamen in haar werk drie verschillende richtingen tegelijk naar voren: regionalisme, neoprimitivisme en cubo-futurisme.

De eerste is de originele stijl bedacht door Mikhail en uitgebreid onderzocht door Natalia.

Districtisme was in die tijd een van de volledig abstracte stijlen in de westerse kunst. Net als het impressionisme concentreert het regionalisme zich op de lichtstralen die door objecten worden weerkaatst. De ruimte in de afbeelding van een radiant is niet meetbaar, maar is een atmosfeer die is geladen met de energie van een oneindig aantal lichtstralen, ofwel rechtstreeks van de zon, of, waarschijnlijker, stralen die heen en weer worden gereflecteerd door fysieke objecten eromheen. Het leidende principe is puur esthetisch in die zin dat kleuren worden gekozen vanwege hun harmonie of visuele effect.

Al meer dan drie decennia zijn kunstenaars gefascineerd door het idee om non-figuratieve kunst te creëren op basis van de orkestratie van kleur. Als muziek volledig abstract is en tegelijkertijd oneindig expressief, dan kan er geen kunst zijn die kleur gebruikt (in plaats van geluid) die net zo abstract en expressief zou zijn.

In plaats van de gefragmenteerde, onderling verbonden vormen die in het kubisme worden gevonden, is de Cats-serie gebaseerd op lange, snijdende kleurstreken. Districtisme was een kortstondige stijl die in 1914 zijn einde bereikte. Franz Marc, verbonden aan de Münchener Blaue Reiter (met wie Natalia twee jaar eerder had geëxposeerd), bewonderde haar werk en schreef op een manier geïnspireerd door het districtsbestuur, mogelijk door haar invloed.

3. Stijl van primitivisme

Ongeremd en rusteloos, op zoek naar nieuwe inspiratie, leunde ze ook enige tijd zwaar op vroege kubistische schilders zoals Pablo Picasso. Deze fase in haar werk duurde meerdere jaren en omvatte haar schilderkunst, geïnspireerd door de Russische traditie.

Maar haar illustraties voor verschillende poëzieboeken van Velimir Khlebnikov en Alexei Kruchenykh toonden haar toewijding aan oude Russische kunstvormen zoals iconen, religieuze fresco's en houtsneden. In 1913 verklaarde ze op dramatische wijze dat ze zich van het Westen afkeerde en haar sympathie betuigde aan het Oosten.

Op een van haar vroege tentoonstellingen werden primitivistische en kubistische schilderijen gepresenteerd, en op een latere tentoonstelling, georganiseerd door haar man, werden meer dan vijftig werken van Natalia tentoongesteld. Voor het primitivisme liet ze zich inspireren door Russische iconen en volkskunst, ook wel populaire prenten genoemd. De tweede, latere tentoonstelling was bedoeld als een bewuste breuk met de Europese artistieke invloed en de oprichting van een onafhankelijke Russische school voor hedendaagse kunst. Het evenement bleek controversieel te zijn, en de censor nam Natalia's religieus-thematische werk "Evangelisten" in beslag, omdat het godslasterlijk was om het te tonen op een tentoonstelling genaamd "The Donkey's Tail". Natalia en Mikhail worden al lang vervolgd vanwege hun werk en de manier waarop ze zich uitten. Maar zelfs in de latere werken van Natalia is de invloed van het Russische futurisme merkbaar. Aanvankelijk gefascineerd door iconenschilderkunst en het primitivisme van etnische Russische volkskunst, verwierf Natalia bekendheid in Rusland vanwege haar futuristische werk (waaronder een schilderij genaamd The Cyclist).

Natalia en Mikhail beschilderden hun gezichten met hiërogliefen en bloemen en liepen door de straten als onderdeel van een primitivistische artistieke beweging. Natalia was zelf van tijd tot tijd niet bang om halfnaakt in het openbaar te verschijnen met symbolen op haar borst. Als leiders van de Moskouse futuristen organiseerden ze provocerende lezingenavonden in dezelfde geest als hun Italiaanse tegenhangers. Daarnaast schreef en illustreerde Natalia verschillende avant-gardeboeken.

Natalia is vanaf de eerste dag van haar oprichting (1911) lid van de avant-gardegroep Blue Rider. Vier jaar later begon ze met de ontwikkeling van balletkostuums en decors in Genève. En al snel begon ze te werken aan een reeks schetsen voor het ballet van Diaghilev, maar helaas werd het ballet nooit gerealiseerd.

Een paar jaar later verhuisde ze naar Parijs, waar ze een aantal decors maakte voor de Russische balletten van Diaghilev. Ze exposeerde ook op de Salon d'Automne en nam regelmatig deel aan de Salon des Tuileries en de Salon of Independents.

Natalia en Mikhail werkten samen aan vier liefdadigheidsevenementen in Moskou. Beiden ontwikkelden het meeste promotiemateriaal voor het evenement.

4. Stijl van neo-primitivisme

Parallel aan het rayonisme schreef Natalia in een stijl die nu neoprimitivisme wordt genoemd. Het was een fenomeen dat zich eerder in Frankrijk en elders had voorgedaan en dat verband lijkt te houden met een verandering in politieke, sociale en culturele ambities. Gecombineerd met de democratisering van het politieke en sociale denken, is er vaak een neiging geweest om te proberen het diepere karakter van nationale culturen te ontdekken door zich te wenden tot traditionele volks- of boerenkunst voor inspiratie. Vanwege de kerkelijke achtergrond van haar familie en het feit dat ze haar jeugd doorbracht op een landgoed, zou Natalia aangetrokken worden tot traditionele religieuze en volkskunst als onderdeel van haar vormende ervaring en als de beeldende kunst van haar landgenoten. Dit was de periode waarin de intelligentsia iconen (Russische liturgische afbeeldingen) begon te zien als een belangrijk nationaal cultureel erfgoed. De grote Romanov-tentoonstelling van iconen maakte veel esthetisch gevoelige mensen enthousiast.

Natalia schrijft al een aantal jaren over religieuze thema's en is van mening dat de intens religieuze betekenis en betekenis van iconen een van de belangrijkste doelen is voor een kunstenaar om in haar werk vast te leggen. De rijke kleuren, oogverblindende decoratieve effecten en het sterk geformaliseerde en gestileerde karakter van de iconen hebben haar al geïnspireerd om te werken.

Dit bracht haar ertoe haar toevlucht te nemen tot een manier die niets met de academische praktijk te maken had. Naast het benadrukken van de platte, decoratieve kwaliteiten, leek de verf soms over het oppervlak te spetteren of werd hij snel aangebracht voor een spontaan effect. De charme en naïviteit, die eerder in het schilderij van Henri Rousseau werden bezongen, verscheen in het werk van de Russische kunstenaar en, wat erg belangrijk voor haar is, werd ontleend aan lokale bronnen.

5. Stijl van cubo-futurisme

Tussen 1913 en 1914 verscheen het Cubo-Futurisme, aspecten van de toen moderne stijlen van het kubisme en het futurisme, in Natalia's schilderij. Het kubisme was bekend bij Russische kunstenaars door publicaties, tentoonstellingen en collecties zoals de Morozov- en Shchukin-collecties. Het kubisme was ambivalent ten opzichte van kleur ten gunste van een nieuw gevoel van structuur-fragmentatie en cohesie van vorm, resulterend in een uniform geanimeerde compositie waarin de figuur / grond-relatie wordt geëlimineerd.

Het Italiaanse futurisme had ook een aanhang in Rusland in de jaren direct voorafgaand aan de Eerste Wereldoorlog.

Haar futurisme was, net als dat van de Italianen, vol kleuren. De sensaties van beweging werden veroorzaakt door ritmische herhalingen van figuren of lijnen. Het opnemen van gekleurde woorden of woordfragmenten alsof ze afkomstig waren van tekens en een deel van de omgeving waar de persoon doorheen ging, droeg verder bij aan deze perceptie. Geluidsgolven werden ook geïmpliceerd door ritmische effecten en soms door het gebruik van muzieknotatie.

6. De laatste levensjaren

Natalia bracht de rest van haar leven door in Parijs, erkend als een belangrijk lid van de artistieke gemeenschap van de stad. Ze bleef schilderen, maar haar meest opvallende werk was op het gebied van scenografie. In dit gebied werden zowel zij als Michael wereldsterren. Natalia identificeerde haar werk steeds meer met Frankrijk. In 1936 namen zij en Mikhail deel aan een belangrijke internationale wedstrijd voor theatrale kunst in Milaan. Ze exposeerden hun werk liever in de Franse sectie dan in de Sovjetsectie, en toen ze de zilveren medaille wonnen, was het Frankrijk dat naar hen ging.

Na de invasie van Frankrijk door Adolf Hitler in het voorjaar van 1940, bevonden Natalia en Mikhail zich onder Duitse bezetting. In de moeilijke jaren die volgden, wisten ze allebei hun carrière in het theater voort te zetten. Vervolgens herinnerde een tentoonstelling van hun bevooroordeelde schilderijen in Parijs het publiek aan hun prominente rol in de ontwikkeling van de hedendaagse kunst rond de eeuwwisseling. Zoals sommigen hebben beweerd, hebben de twee kunstenaars een deel van hun werk opzettelijk voorbijgestreefd, soms met meer dan een decennium, om hun reputatie als baanbrekende kunstenaars te verstevigen.

Mikhail kreeg een beroerte en de financiële situatie van de echtgenoten, die nooit bijzonder comfortabel was geweest, werd nog precair. Ze overleefden gedeeltelijk door hun vroege schilderijen te verkopen. Natalia leed ook aan veel lichamelijke kwalen, waaronder een ernstige vorm van artritis, waardoor het onmogelijk was om op een ezel te tekenen. Ze bleef haar toewijding aan het werk tonen en plaatste het canvas voor haar in een horizontale positie om het penseel te blijven manipuleren.

Natalia deed haar laatste poging tot theatervormgeving in 57. Het bestond uit kostuums en decors voor een reeks balletten in Monte Carlo. Een jaar later hield ze de laatste tentoonstelling van haar schilderij in Parijs, met een twintigtal doeken geïnspireerd op de Russische lancering van de Spoetnik-ruimtesatelliet.

Het koppel kampte nog steeds met financiële problemen. Alleen de verkoop van een aanzienlijk deel van de bibliotheek en de werken van de echtgenoten aan het Victoria and Albert Museum in Londen hielpen hun solvabiliteit op peil te houden.

Natalia stierf aan kanker in Parijs. Op haar grafsteen stond gewoon geschreven dat ze kunstenares en schilder was. De dood van Mikhail kwam kort daarna. Hij werd naast haar begraven met dezelfde inscriptie op zijn grafsteen.

Voortzetting van het thema schilderen - zes wereldleiders die niet alleen beroemd werden in de politiekevenals in de kunst.