11 van de duurste Amerikaanse kunstwerken die de afgelopen 10 jaar op een veiling zijn verkocht

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Het eerste decennium van de eenentwintigste eeuw bleek gunstig voor de kunstindustrie: het duurste schilderij ter wereld werd op een veiling verkocht voor een fabelachtig bedrag, de steeds groeiende interesse in de kunst van inheemse volkeren en minderheden, ook omdat de blijvende invloed van sociale netwerken op het esthetische perspectief hun werk deed en een van de belangrijkste rollen speelde. Amerikaanse kunst was geen uitzondering, en enkele van de meest waardevolle meesterwerken uit de Verenigde Staten gingen van hand tot hand en vestigden nieuwe wereldrecords op veilingen.

De twintigste eeuw zag een explosie van creativiteit en innovatie in de Amerikaanse kunst, weerspiegeld in de elf meesterwerken die hier worden vermeld. Hoewel sommigen van hen zijn ondergebracht in de hedendaagse kunstafdelingen van grote veilinghuizen, hebben ze allemaal bijgedragen aan de reputatie en het succes van Amerikaanse kunst in het algemeen.

1. Norman Rockwell

Oorspronkelijk gemaakt als dekmantel voor de Saturday Evening Post, werd de kleedkamerscène van Norman Rockwell al snel een cult-icoon. Gedurende het midden van de 20e eeuw hielpen de productieve illustraties van Norman de nationale identiteit vorm te geven, en als een van de oudste en meest geliefde honkbalteams in de Major League, waren de Boston Red Sox een trefzekere manier om de harten van zelfs de hardste Amerikanen te raken.

Dit schilderij met herkenbare honkbalspelers en gepubliceerd tijdens de pensionering van honkballegende Ted Williams is nog steeds actueel en wordt beschouwd als een tijdloos schilderij. Het schilderij toont de rookie die tegenstrijdige emoties oproept, aangezien de Red Sox-parafernalia een gevoel van triomf en glorie vertegenwoordigen, terwijl de ongemakkelijke nieuwkomer niet anders kan dan gevoelens van angst en zelfs schaamte veroorzaken. De diepe emotionele reactie van het ogenschijnlijk eenvoudige beeld is ongetwijfeld de reden dat dit schilderij in 2014 werd geveild voor maar liefst 22 miljoen dollar.

2. Edward Hopper

Edward Hopper, een van de belangrijkste en meest invloedrijke kunstenaars van de twintigste eeuw, onderscheidde zich van zijn tijdgenoten door scènes uit het dagelijkse Amerikaanse leven vast te leggen met emotionele maar flagrante eerlijkheid. Dit wordt belichaamd in The East Wind Over Weehawken.

Ondanks het gebrek aan drama of duidelijke schoonheid, is het schilderij geladen met spanning en emotie, vooral als gevolg van het "Te Koop"-teken, dat voorwaartse beweging en vooruitgang kan betekenen, maar evenzeer moeilijkheden en strijd met zich meebrengt, wat dubbelzinnige gevoelens veroorzaakt. In 2013 werd dit werk bij Christie's verkocht voor eenenveertig miljoen dollar.

3. Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe haalt voortdurend inspiratie uit de plantenwereld en heeft de Amerikaanse natuur naar een geheel nieuwe schaal gebracht. In plaats van uitgestrekte landschappen en weidse vergezichten, koos ze kleine knoppen of individuele bladeren als onderwerp van haar schilderijen, in de hoop dat zelfs drukke New Yorkers de kans zouden krijgen om de schoonheid van de natuurlijke wereld te waarderen.

Een bloem die in veel van O'Keeffe's schilderijen voorkomt, is Jimson's wiet (gewone dope), een giftige plant die ze ontdekte in de buurt van haar huis in New Mexico. Haar close-up schilderijen, waarop een delicate maar giftige bloem is afgebeeld, transformeren gevaarlijk in schoonheid en bevriezen het kortstondige, waardoor het onsterfelijk wordt.

Ondanks de intieme subtekst die vaak aan haar bloemenschilderijen wordt toegeschreven, hield O'Keeffe vol dat het een eerbetoon was aan de schoonheid van de natuur en dat dergelijke interpretaties het resultaat waren van de eigen projecties van de criticus, niet van haar bedoelingen. verrassing en opwinding van het publiek op het moment dat het voor bijna vijfenveertig miljoen dollar werd verkocht, waardoor het het duurste werk van een vrouwelijke kunstenaar was.

4. Mark Rothko

Hoewel het op het eerste gezicht zo eenvoudig lijkt dat iedereen met een penseel en canvas nr. 10 kan schilderen - een van de beroemdste schilderijen van Mark Rothko. In feite vertegenwoordigt dit werk de vaardigheid van de kunstenaar in zowel instrumenten als techniek. De oliën lijken te schitteren met een bovennatuurlijke gloed die het schilderij energie en beweging geeft. Het kleurenpalet roept directe associaties op met hitte, vuur en passie, en de gebieden waar geel en oranje samenkomen en rood in zwart verandert, zijn doordrenkt met een obsessief gevoel voor het onbekende.

Wie weet wat een van de anonieme bieders bij Christie's motiveerde, die zonder spijt afscheid nam van een indrukwekkend bedrag van tweeëntachtig miljoen dollar, nadat hij "No. 10" voor zijn eigen collectie had gekocht.

5. Andy Warhol

Nadat hij onder meer Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor en Marlon Brando had geportretteerd, was het bijna onvermijdelijk dat de popartiest zich tot de King of Rock zou wenden om zijn pantheon van Amerikaanse iconen te voltooien. Warhols fascinatie voor populaire cultuur maakte Elvis Presley het ideale onderwerp voor een van zijn karakteristieke zeefdrukken. Overlappende filmachtige monochrome beelden en het idee van een zilveren scherm weerspiegeld in een gepolijste achtergrond nemen de kijker mee in de wereld van het Hollywood van de jaren 50 voor een onvergetelijke ervaring. Deze look is zo krachtig dat hij in 2014 bij Christie's werd gekocht voor maar liefst 82 miljoen dollar.

6. Barnett Newman

Tussen 1958 en 1966 creëerde Barnett Newman (Newman) een serie zwarte pigmenten op open doeken. Hun eenvoud en symbolische wisselwerking tussen licht en duisternis belichamen het gevoel van plechtigheid en onmetelijkheid dat werd opgewekt door het verlies van zijn broer door de kunstenaar. Newman vertaalde zijn verdriet en preoccupatie met sterfelijkheid in kunstwerken die ruw en gespannen zijn, maar tegelijkertijd verfijnd en harmonieus.

De verwijzing naar vuur in de titel nodigt de kijker uit om beweging en passie te zien, zelfs in een lineair bliksem- en monochroom palet. Het stuk stak zeker een vuur aan in het hart van een anonieme bieder die Black Fire I in 2014 van Christie's kocht voor $ 84 miljoen.

7. Mark Rothko

"Oranje, rood, geel" - kleuren zoals het schilderij van Mark Rothko trekken het oog en de emoties aan om veel van dezelfde redenen als nr. 10. Het warme kleurenpalet lijkt licht uit de olie uit te stralen, en liminale gebieden waarin de schaduw wordt anders zijn, vereisen ze speciale overpeinzing. In tegenstelling tot nummer 10 straalt dit stuk echter vitaliteit uit en bevat het geen spoor van duisternis, wat het einde lijkt te betekenen.

Een groot aantal lichte streken creëren een verscheidenheid aan texturen, van bijna transparant tot rijke opalescentie, wat het schilderij een opvallend gevoel van diepte geeft. In combinatie met de enorme spanwijdte van het doek, dat bijna 2 meter hoog is, ontstaat het effect dat de kijker wordt omhuld met een intiem spoor van warmte. Daarom werd dit werk van Rothko in 2012 geveild bij Christie's voor bijna zevenentachtig miljoen dollar.

8. Edward Hopper

Chop Suei wordt vaak beschouwd als het meest perfecte schilderij van Edward Hopper vanwege het feit dat het alle zintuigen aanspreekt en de kijker uitnodigt om een verhaal in gedachten te creëren. Net als de oostenwind over Weehawken, richt Chop Suei zich op de meer rustige momenten van het Amerikaanse leven en presenteert een alledaags tafereel met brede penseelstreken en gedempte tonen.

In plaats van het fotografisch realisme waar veel van zijn leeftijdsgenoten naar streefden, roept deze stijl het effect op van een herinnering of een droom. De betoverende en mysterieuze scène vestigde het record voor Hopper's duurste werk toen het in 2018 bij Christie's werd verkocht voor iets minder dan tweeënnegentig miljoen dollar.

9. Roy Lichtenstein

Lang voordat het in 2015 voor vijfennegentig miljoen dollar bij Christie's werd verkocht, is Roy Lichtenstein's Nurse een iconisch kunstwerk van Amerikaanse kunst geworden, dat de uitdaging van de popart voor traditionele beeldende kunst belichaamt. Door een voorbeeld te nemen van moderne reclamecampagnes, strips en commercie, gaf popart zijn publiek een nieuwe lens waardoor het mogelijk werd om de wereld om hen heen en de berichten die ze ontvingen te interpreteren.

Het werk van de verpleegster behoudt een gevoel van diepte en energie dat wordt gegenereerd door het enorme veld van met de hand gestencilde (in plaats van machinaal gemaakte) stippen die het gezicht, de mouwen en de achtergrond van de vrouw vormen. Gecombineerd met gedurfde lijnen en kleuren die de rest van het beeld vormen, hangt het schilderij ergens tussen parodie, oprechtheid en ironie.

10. Jean-Michel Basquiat

Na het ontvangen van een exemplaar van Grey's Anatomy terwijl hij herstellende was van een auto-ongeluk, raakte Jean-Michel Basquiat geïnteresseerd in het menselijk lichaam, zoals blijkt uit de schilderijen die hij als volwassene maakte. De schedel is een van de meest herkenbare afbeeldingen die regelmatig in zijn werk voorkomt, een symbool dat een brug slaat tussen leven en dood.

Een voorbeeld hiervan is zijn werk "Untitled", waarin felle kleuren en harde, chaotische streken contrasteren met een verzonken, gedempte schedel. Door een wetenschappelijke basis te combineren met een stedelijke stijl, belichaamt het schilderij Basquiats nieuwe benadering van kunst. Dit was te zien op de Basquiat-tentoonstelling, die naamloos was als het enige tentoongestelde stuk, en bij Sotheby's, waar het schilderij in 2017 voor honderdtien miljoen dollar werd verkocht.

11. Andy Warhol

Net als Triple Elvis maakt Andy Warhols Silver Car Crash gebruik van een combinatie van zeefdruk en zilververf, maar het effect is totaal anders. De Silver Crash benadrukt dat de auto weliswaar de essentie is van vrijheid, industrie en de Amerikaanse droom, maar ook het vermogen heeft om dood, verderf en rampspoed te veroorzaken.

De verleidelijk gruwelijke afbeelding van een vernielde auto, keer op keer herhaald, en het angstaanjagende lege canvas ernaast, trokken de aandacht van drie uiterst beroemde kunstverzamelaars: Gian Enzo Sperone, Charles Saatchi en Thomas Amman. Een anonieme veilingmeester van Sotheby's kocht het schilderij in 2013 voor honderdvijf miljoen dollar, de hoogste prijs die ooit voor Warhol is betaald.

Doorgaan met het onderwerp - 10 prachtige landschapsschilderijen, die de kijker opladen met de meest echte "sublieme energie" en een zee van allerlei emoties geven.