Wie Rodin echt 'The Thinker' of 'The Mourner' heeft gemaakt: de ware betekenis van beroemde kunstwerken

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Iedereen kan gemakkelijk merken dat het onderwerp rouw erg populair is bij kunstenaars. En vaak weten moderne mensen niet eens over de geschiedenis van de oorsprong van sommige schilderijen of sculpturen en hun ware betekenis.

"Portret van Venetië Stanley, Lady Digby" Van Dyck

Het lijkt erop dat de jonge vrouw vredig slaapt. Niettemin, toen de Vlaamse kunstenaar Anthony van Dyck in 1633 alle aristocratische schoonheid van Stanley, Lady Digby, uit Venetië probeerde over te brengen, schilderde hij eigenlijk een portret … van een twee dagen oud lijk dat op zijn sterfbed ligt.

Radeloos van verdriet toen hij ontdekte dat zijn vrouw 's nachts plotseling was overleden, vroeg de echtgenoot van Venetië, Sir Kenelm Digby, op 33-jarige leeftijd Van Dyck, de hofschilder van koning Charles I, om zijn overleden vrouw te schilderen voor "de chirurgen en lijkschouwers aangekomen."

Anthony van Dyck schreef Venetië, Lady Digby op haar sterfbed in 1633 - twee dagen nadat de vrouw in haar slaap stierf

Van Dijk ging aan het werk en negeerde de verschrikkelijke veranderingen die zich na de dood in het menselijk lichaam voordoen. Aan de bleke, charmante hals van Venetië tekende hij een parelsnoer en op de rand van het laken strooide hij rozenblaadjes. Digby geloofde dat het schilderij van Van Dyck, dat zich nu in de Dulwich Art Gallery in Londen bevindt, de bekroning was van de creatie van de kunstenaar. Volgens hem leek deze "roos" zelfs op het eerste gezicht "vervaagd" en moest hij de dood van zijn vrouw symboliseren.

Ondanks het feit dat er bijna vierhonderd jaar zijn verstreken, zijn er nog steeds geruchten dat Digby, die niet alleen een hoveling en diplomaat was, maar ook een uitvinder en alchemist, zelf de dood van zijn vrouw heeft veroorzaakt. Sommigen zeggen dat hij Venetië een mengsel van adderbloed te drinken gaf, waarmee hij hoopte zijn schoonheid te behouden. Anderen geloven dat hij haar in een vlaag van jaloezie heeft vermoord - hij zou tenslotte ooit over de beruchte losbandigheid van Venetië hebben gezegd dat 'een wijze en sterke man een eerlijke vrouw kan maken, zelfs van een bordeelarbeider'. Interessant is dat, hoewel er een autopsie is uitgevoerd, de resultaten niet bewaard zijn gebleven.

Digby merkte echter dat hij verwoest was door de dood van Venetië. Hij schreef aan zijn broer dat Van Dycks postume portret “de enige constante metgezel is die ik nu heb. Hij staat de hele dag voor mijn stoel en tafel… en de hele nacht bij het bed. Als het zwakke maanlicht op hem valt, lijkt het me dat ik haar echt dood zie."

Met andere woorden, volgens Digby's brief is het kleine olieverfschilderij van Van Dyck, minder dan een vierkante meter groot, een troost en troost geworden voor de rouwende weduwnaar. Als de roos op de foto inderdaad het 'embleem' is van de vergankelijkheid van het leven, symboliseert de foto zelf wat de kunst van het verdriet kan worden genoemd.

Naast grafmonumenten in kerken, die vooral ter nagedachtenis aan overledenen werden geplaatst, kwam het thema rouw in de westerse kunst voor de tijd van Van Dyck, in de Middeleeuwen en tijdens de Renaissance in de regel alleen voor in religieuze schilderijen en sculpturen gewijd aan het tragische verhaal van de dood van Christus. …

De Pieta van Michelangelo in de Sint-Pietersbasiliek

Michelangelo's prachtige marmeren pieta in de Sint-Pietersbasiliek is het enige beeldhouwwerk dat hij ooit heeft gesigneerd. Ze stelt de rouwende Maagd Maria voor met de dode Christus op haar schoot. Dit is misschien wel het bekendste voorbeeld, maar er zijn er nog veel meer. Men kan bijvoorbeeld een schilderij uitkiezen van een andere kunstenaar uit de hoge renaissance en een vriend van Michelangelo, Sebastiano del Piombo. Volgens experts van de National Gallery is het schilderij (waaraan del Piombo samen met Michelangelo werkte) "Lamentation of the Dead Christ" (c.1512-1516) "het eerste grootschalige nachtlandschap in de geschiedenis", en de maanverlichte hemel past perfect bij de sombere stemming.

De Pieta van Michelangelo in de Sint-Pietersbasiliek is een beroemde versie van een van de meest voorkomende afbeeldingen in het katholicisme: het verdriet van de Maagd Maria over de dood van haar zoon

Natuurlijk is het traditionele thema van rouwen om Christus door veel beroemde auteurs in de kunstgeschiedenis vertolkt, van Giotto en Mantegna tot Rubens en Rembrandt. Dit zijn slechts enkele van de duizenden kunstenaars die dit bijbelse tafereel door de eeuwen heen in een of andere vorm hebben afgebeeld. Inderdaad, de kunst van het rouwen is zo alomtegenwoordig geworden dat mensen soms vergeten waar ze naar kijken. De curator van Rodins nieuwe tentoonstelling in het British Museum publiceerde onlangs een artikel waarin hij suggereert dat de beroemde Franse sculptuur The Thinker eigenlijk The Mourner zou moeten heten. "Kijk goed naar de hand en kin", zei Ian Jenkins, een autoriteit op het gebied van oude Griekse kunst. - Als deze persoon ergens aan dacht, zou hij zijn kin met zijn hand hebben bedekt in een gebaar van bedachtzaamheid. Maar in dit beeld ondersteunt de hand de kin. En in het oude Griekenland was het een gebaar van rouw."

"Isle of the Dead" door Arnold Böcklin

Olieverfschilderij op hout door Arnold Böcklin "Isle of the Dead", 1880. De plot is gebaseerd op de oude Griekse mythologie. Het schilderij inspireerde de gelijknamige horrorfilm van Jacques Tourneur

Als u het woord 'verdriet' invoert in een online zoekmachine van een internationaal museum, zal dit veel resultaten opleveren. In het VK bijvoorbeeld, leverde een zoekopdracht op dit trefwoord op de website van Tate Gallery 143 kunstwerken op met als thema rouw en lijden uit verschillende perioden.

In de 18e eeuw begonnen kunstenaars bijvoorbeeld rouw en verdriet te bekijken door het prisma van Shakespeare-drama. Een favoriet onderwerp was de dood van King Lears dochter Cordelia. In de 19e eeuw is John Everett Millais' verbluffend gedetailleerde schilderij Ophelia (1851-1852), waarvoor model Elizabeth Siddal vier maanden lang dagelijks enkele uren in de badkuip poseerde, een beroemde en zeer poëtische visuele uitdrukking van verdriet. Het toont een Deense edelvrouw uit Shakespeare's Hamlet die gek werd van verdriet over haar vermoorde vader en zichzelf verdronk in een beek.

Rodin is de denker

Ian Jenkins van het British Museum vindt dat Rodins The Thinker The Mourner moet heten omdat de figuur zijn kin in een gebalde vuist liet rusten - een duidelijk teken dat de persoon teruggetrokken is en ondergedompeld in zijn eigen verdriet.

Verdriet was een zeer belangrijk onderwerp voor kunstenaars tijdens het Victoriaanse tijdperk, toen een complexe "cultuur van rouw" populair was. In zijn Art of Death (1991) merkt kunsthistoricus Nigel Llewellyn op dat 'een indrukwekkende visuele cultuur van de dood' een kenmerk was van de 19e eeuw.

"Weeping Woman" van Picasso

In de 20e eeuw zetten kunstenaars de traditie van hun Victoriaanse voorouders voort om verdriet in hun werken uit te drukken. Misschien wel het beste voorbeeld is Picasso's Weeping Woman (1937), dat verband houdt met zijn epische schilderij Guernica uit hetzelfde jaar, geschilderd tijdens de Spaanse Burgeroorlog als reactie op het Duitse vliegtuig dat een Baskische stad bombardeerde. Guernica wordt door velen beschouwd als de ultieme uitdrukking van het collectieve verdriet van de 20e eeuw. Natuurlijk zijn er veel voorbeelden van andere schilderijen uit de 20e eeuw, waarvan het thema gerelateerd is aan verdriet. U herinnert zich bijvoorbeeld een klein schilderij van Lucian Freud, door hem geschilderd in 1973 - een portret van zijn moeder, bedroefd door de dood van haar man.

"Drieluik" door Francis Bacon

Francis Bacon schilderde in het linkerpaneel van het drieluik (augustus 1972) zijn geliefde George Dyer, die zelfmoord pleegde

Het drieluik van Francis Bacon, dat vandaag ook in de Tate te zien is, is erin geslaagd om zowel persoonlijk als publiek verdriet aan te kaarten. Een van Bacons zogenaamde Zwarte Drieluiken is geschilderd naar aanleiding van de zelfmoord van zijn geliefde George Dyer, wiens afbeelding te zien is op het linkerpaneel. Zo is het drieluik een onvergetelijke en zeer persoonlijke getuigenis van het lijden van de schilder (dat overigens op het rechterpaneel is afgebeeld).

Natuurlijk konden twee wereldoorlogen in de 20e eeuw niet anders dan een impact hebben op de kunst. Kunstcritici beweren dat de oorlog een diepgaand effect had op de manier waarop kunstenaars verdriet uitbeeldden, vergeleken met de 19e eeuw. In tegenstelling tot de Victoriaanse rouw, waarbij individuele families individueel verdriet beleefden, leed bijna elk gezin in Europa plotseling.

Oorlogsmonumenten

Een gevolg hiervan was een officiële overheidsinspanning om 'een passende beeldcultuur voor rouw te creëren'. De klassieke, allegorische graffiguren die zo geliefd waren bij de Victorianen raakten uit de mode. In plaats daarvan waren oorlogsmonumenten die het gemeenschappelijke nationale offer benadrukten in plaats van het verlies van individuen.

Het Cenotaph War Memorial in de buurt van Whitehall, Londen, ontworpen door Edwin Lutyens, is een archetypisch voorbeeld van deze nieuwe benadering: in plaats van menselijke figuren is er een lege kist die met elke soldaat kan worden geassocieerd. Rouwende families kunnen het als universeel symbool gebruiken.

Taryn Simon maakte de installatie "Occupation of Loss", die werd bijgewoond door 21 "professionele rouwenden" uit verschillende culturen

De veelzijdigheid van verdriet is nog steeds een thema dat hedendaagse kunstenaars aan de orde stellen. De Amerikaanse fotograaf Taryn Simon kreeg eerder dit jaar lovende kritieken voor haar live-installatie Occupation of Loss, opgevoerd in een ondergrondse zaal in Noord-Londen. Voor het werk, dat in 2016 in New York in première ging, nodigde Simon 21 “professionele rouwenden” uit van over de hele wereld, waaronder Albanië, Azerbeidzjan, Ecuador, Ghana en Venezuela. Het publiek kon naar elk van deze vrouwen luisteren.