Aan wie droeg Klimt zijn weinig bekende portretten op, waarover nog steeds gissingen en controverses bestaan?

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Sommige portretten van Klimt hebben al een iconische status verworven, bijvoorbeeld zijn portret van Adele Bloch-Bauer, gemaakt met elementen van goud. Voordat Klimt echter in 1897 het hoofd werd van de Weense Secession-beweging, schreef hij in een zeer conventionele stijl, zoals gevraagd door zijn klanten. De meeste van de onderstaande werken zijn onbekende portretten van Klimt, of in ieder geval veel minder beroemd dan de portretten die onmiskenbaar worden herkend, zelfs door mensen die verre van kunst zijn.

Het leven van Gustav was helder en veelbewogen. Hij zat nooit stil en verbeterde voortdurend zijn vaardigheden en vakmanschap, experimenterend met een of andere richting en vorm. Het is niet verrassend dat hij in zijn jonge jaren een beurs kreeg van de Weense School of Art, waar hij een opleiding tot architectonisch schilder volgde.

Al snel besloten Gustav en zijn broer Enrst, die ervan droomde om in de voetsporen van zijn vader te treden en zich bezig te houden met graveren, evenals vriend Franz Machszm, om samen te werken. Hierdoor kregen jongeren in 1880 veel opdrachten, die bestonden uit het maken van fresco's speciaal voor het Kunsthistorisches Museum in Wenen.

Na zo'n enorm succes openden ze een studio die gespecialiseerd was in interieurdecoratie, met name theaters, die ze in het hele Oostenrijks-Hongaarse rijk decoreerden. En veel van hun werken zijn daar nog steeds te zien.

Vijf jaar later kregen ze de opdracht om het buitenverblijf van keizerin Elizabeth, Villa Hermes bij Wenen (A Midsummer Night's Dream) in te richten. En een jaar later werden de kunstenaars gevraagd om het Weense Burgtheater te decoreren, in feite om hen te erkennen als de belangrijkste decorateurs van Oostenrijk.

Toen het werk voltooid was, kregen de kunstenaars het gouden kruis van het Verdienstkreuz-servies en kreeg Klimt de opdracht om de aula van het oude Burgtheater te schilderen - een werk dat hem wereldberoemd maakte.

Dit schilderij, met zijn bijna fotografische nauwkeurigheid, wordt beschouwd als een van de grootste prestaties in de naturalistische schilderkunst. Als gevolg hiervan ontving Gustav de keizerlijke prijs en werd hij een modieuze portretschilder en een vooraanstaand schilder van zijn tijd. Paradoxaal genoeg was het op dit moment, toen de fantastische carrière van een classicistische kunstenaar zich voor hem ontvouwde, dat hij zich begon te wenden tot radicaal nieuwe kunststijlen.

In de daaropvolgende jaren viel het artistieke trio uit elkaar. Franz wilde portretfotografie gaan doen, wat hij met enig succes deed. Ondertussen stond de veranderde stijl van Gustav hen niet toe om aan welk project dan ook samen te werken. Bovendien stierf Ernst in 1892, kort na de dood van hun vader.

Getroffen door deze dubbele tragedie, trok Gustav zich terug uit het openbare leven en concentreerde zich op het experimenteren en bestuderen van hedendaagse kunststijlen en historische stijlen die binnen het establishment werden genegeerd, zoals Japanse, Chinese, oude Egyptische en Myceense kunst.

Maar al snel begon hij te werken aan zijn laatste openbare opdracht: schilderijen "Filosofie, geneeskunde en jurisprudentie" voor de Universiteit van Wenen. Drie ervan zullen pas in het begin van de twintigste eeuw worden voltooid en ze zullen zwaar bekritiseerd worden vanwege hun radicale stijl en wat volgens de zeden van die tijd obsceniteit was. Helaas werden de schilderijen tijdens de Tweede Wereldoorlog vernietigd, waardoor er alleen zwart-wit reproducties van overbleven.

De kunstenaar stond niet alleen in zijn verzet tegen het toenmalige Oostenrijkse artistieke establishment. In 1897 verliet hij samen met veertig andere beroemde Weense kunstenaars de Academie voor Beeldende Kunsten en richtte hij de "Union of Austrian Artists" op, beter bekend als de Secession, waar hij onmiddellijk tot hoofd werd gekozen. Hoewel de Unie geen duidelijk omschreven doelen of steun voor bepaalde stijlen had, was ze tegen het classicistische establishment.

In de vroege jaren 1900 voltooide de kunstenaar de Beethoven-fries, die werd gepresenteerd als resultaat van de veertiende separatistische tentoonstelling in Wenen. Het moest een speciale viering zijn ter ere van de beroemde componist en bevatte daarom veel werken die door hem waren geïnspireerd, waaronder een polychroom beeldhouwwerk gemaakt door Max Klinger.

Ondanks zijn populariteit bracht de kunstenaar het liefst alleen tijd door met zichzelf, zijn eigen gedachten en werk, en bracht hij ook graag de zomer door met de familie Flege aan de oevers van de Attersee, waar hij zich overgaf aan prachtige landschappen.

De schilderijen van Gustav aan Uttersee verdienen een aparte beoordeling en zijn werkelijk bewonderenswaardig, omdat hij de meeste schilderde terwijl hij door een telescoop keek.

De "gouden fase" van de kunstenaar werd met een knal ontvangen, zowel door het publiek als door critici. Veel van zijn schilderijen uit deze periode zijn gemaakt met bladgoud, waardoor elk werk op zijn eigen manier uniek is.

Ondanks het feit dat de kunstenaar niet veel reisde, waren het zijn bezoeken aan plaatsen als Venetië en Ravenna die hem inspireerden om zijn unieke gouden techniek te creëren met een vleugje Byzantijnse stijl.

Daarnaast heeft hij veel energie gestoken in het gezamenlijke werk aan de totstandkoming van het ontwerp van het Stoclet-paleis, dat uiteindelijk zal worden erkend als het eigendom en een van de belangrijkste historische waarden van het modernisme.

Naast dit alles schilderde Gustav vijf schilderijen met dames van de wereld die gekleed waren in bontkleren. Deze werken toonden zijn enthousiasme en verlangen naar detail, wat vooral duidelijk wordt in de weergave van kleding en kostuums. Sommige daarvan, de zogenaamde modellenkleding, ontwierp hij speciaal voor zijn geliefde Emilia Flöge.

Zijn faam stelde hem in staat kieskeurig en selectief te zijn, dus selecteerde hij zijn modellen zeer zorgvuldig en werkte hij ijverig en nauwgezet aan elk portret, wat maximale concentratie of ontspanning van zijn klanten vereiste.

Dichter bij 1910 verliet Gustav eindelijk zijn gouden stijl en creëerde uiteindelijk het laatste schilderij "Dood en leven", dat werd gepresenteerd op een internationale tentoonstelling in Rome, waar het de eerste plaats won. Desondanks was de kunstenaar ontevreden over dit kunstwerk en precies een jaar later veranderde hij de achtergrond van goud in blauw.

Na een beroerte en longontsteking stierf Gustav precies drie jaar na de dood van zijn geliefde moeder. Hij werd begraven op het terrein van de begraafplaats Hetzing in de stad Wenen, respectievelijk had hij geen tijd om de meeste van zijn schilderijen af te maken. Zijn werken worden vaak gekenmerkt door elegante gouden of gekleurde decors, spiralen en krullen, evenals fallische vormen die worden gebruikt om de meer erotische posities te verbergen van de tekeningen waarop veel van zijn schilderijen zijn gebaseerd.

Kunsthistorici merken een eclectische reeks invloeden op die bijdragen aan de kenmerkende stijl van Klimt, waaronder Egyptische, Minoïsche, klassiek-Griekse en Byzantijnse inspiratie. Hij werd ook geïnspireerd door de gravures van Albrecht Dürer, en zijn latere werken worden gekenmerkt door een afwijzing van vroege naturalistische stijlen en gebruiken symbolen of symbolische elementen om psychologische ideeën over te brengen en de vrijheid van kunst uit de traditionele cultuur te benadrukken. Elk schilderij dat hij heeft gemaakt, wordt echter als uniek beschouwd, zelfs degene die maar weinig mensen kennen.

Portretten van Emilia Flege

In 1891, toen dit schilderij voltooid was, werd een alliantie gesloten tussen de families Klimt en Flege. Gustav's broer, Ernst, trouwde met Emily's zus, Helene. Emily was toen zeventien jaar oud, Gustav was twaalf jaar ouder en dit was hun eerste ontmoeting, die vervolgens leidde tot een levenslange vriendschap. Drie jaar later schilderde hij het opnieuw, dit keer op een specifieke locatie. Het is ook vermeldenswaard dat dit werk bedoeld was voor het Burgtheater in Wenen, en niet voor de familiesalon.

Portret van Marie Breinig

Marie Breinig werd onder nederige omstandigheden geboren, maar trouwde met een succesvolle zakenman. Hierdoor kon ze vaak de Weense samenleving bezoeken. Ze raakte bevriend met de zussen Flege en werd klant bij hun modieuze salon.

Ondanks het feit dat veel kunstcritici en historici op de hoogte waren van dit portret, is het nog steeds niet beschikbaar voor het publiek, omdat de eigenaren hun anonimiteit willen behouden. Bovendien is het het enige portret dat nog in het bezit van de oorspronkelijke familie is en dat nog steeds op de beoogde plaats hangt.

Portret van een onbekende vrouw

Het schilderij is beschreven als "Portret van een onbekende vrouw", maar sommigen interpreteren deze dame als Frau Heyman, aangezien het museum het schilderij bij legaat heeft verworven van de verzamelaar Dr. August Heyman. Als je naar de achtergrond van het portret kijkt, zie je eenvoudige en nogal stereotiepe bloemmotieven die de stilistische veranderingen inluiden die de separatist Ver Sacrum over drie jaar zal doorvoeren.

Portret van een zittend jong meisje

Ondanks het formaat van de reproductie is dit portret eigenlijk heel klein: 14 bij 9 cm en geschilderd op hout, niet op canvas. De compositie lijkt op een portret van Maria (hierboven). Een onbekend meisje is gekleed in een modieuze jurk en kijkt de kijker recht aan. Enig idee wie het zou kunnen zijn?

Portret van Helen Klimt

Helen was nog maar twee maanden oud toen haar vader, de broer van Gustav, stierf. Gustav nam de voogdij over het meisje en beloofde haar moeder hulp. Het meisje werd de trots van de familie en toen ze opgroeide, trad ze toe tot het modehuis Floge, waar ze hielp met administratie, boekhouding en het adviseren van klanten. Dit portret wordt gedomineerd door het frisse bobkapsel van het meisje, dat in slechts een paar halen wordt aangevuld door Klimts impressionistische afbeelding van haar witte blouse.

Van oudsher was het leven en werk van kunstenaars op ieders lippen en geest. Sommigen worden verafgood, verheffend naar de hemel, anderen worden veroordeeld en beschuldigen hen van alle doodzonden, en anderen worden besproken, waarbij ze iets toeschrijven dat vaak niet echt bestond. Was geen uitzondering en Modigliani, om wie onverminderde hartstochten woedden van de kant van het publiek, dat wil weten wat hem eigenlijk met Achmatova verbond, en wat de dood van Jeanne Hébuterne veroorzaakte.