Het thema van de verloren zoon in de schilderijen van Rembrandt: de grootste evolutie van het leven en werk van de meester

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Rembrandt Harmenszoon van Rijn was niet alleen de grootste kunstenaar van de Nederlandse Gouden Eeuw, maar van alle wereldkunst. Bekend als de "schilder van het licht", gebruikte Rembrandt zijn onovertroffen technische vaardigheden, kennis van de menselijke anatomie en geloof om diepe emoties en tijdloze waarheden uit te drukken. De bijbelse plot van de verloren zoon vereist speciale aandacht, die de persoonlijke en creatieve transformaties van de kunstenaar weerspiegelt.

Biografie

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, geboren in 1606 in een middenklasse molenaarsgezin, verliet, net als vele anderen in die tijd, het huis van zijn vader en reisde naar de grote stad (Amsterdam) om te slagen. Zijn talent en vaardigheden hebben hem goed gediend. De kunstenaar maakte verbazingwekkend realistische portretten van rijke kooplieden, scheepsbouwers, lokale politici en hun families. Rembrandt verwierf in de eerste jaren van zijn carrière een uitstekende reputatie en een aanzienlijk inkomen.

In die tijd werden bijbelse onderwerpen relevant geacht voor hoge kunst, maar wat nog belangrijker was voor Rembrandt, werd de Bijbel voor de meester een hulpmiddel om de menselijke geest te begrijpen en te overdenken. De gelijkenis van Christus over de verloren zoon is een verhaal uit het evangelie van Lucas 15:13: "Na een paar dagen ging de jongste zoon, nadat hij alles had verzameld, naar een ver land en daar verkwist hij zijn bezittingen, losbandig levend." De plot inspireerde de kunstenaar vaak zijn hele leven, vooral in twee schilderijen - "The Prodigal Son in a Tavern" (1637) en "The Return of the Prodigal Son" (1669). Twee schilderijen - twee uitgangspunten in de biografie - twee evoluties van het werk en leven van de meester zelf.

De verloren zoon in de herberg

Het eerste werk "Verloren zoon in een taverne" weerspiegelt de gelukkigste tijd in het leven van de kunstenaar. Het schilderij is geschilderd in 1637, toen Rembrandt 31 jaar oud was, trouwde hij net met een mooie, rijke jonge vrouw - Saskia. De linkerkant van het doek is vermoedelijk door de kunstenaar zelf gesneden. Er waren bijfiguren afgebeeld en Rembrandt wilde de aandacht van de toeschouwer vestigen op het hoofdthema. Tentoongesteld in de Dresden Gallery (Duitsland).

Rembrandt portretteerde zichzelf in een zelfportret als een feestvierder en lieveling van het lot te midden van zijn creatieve roem, persoonlijk geluk en ongekende genoegens, met een glas in zijn hand en met zijn geliefde vrouw. Trouwens, de heldin - de vrouw van Rembrandt - Saskia. Rembrandts welvaart, zoals het losbandige beeld van de verloren zoon uit de Bijbel, duurde niet lang. De kunstenaar leefde weelderig en weelderig, in de veronderstelling dat de goede tijden voor altijd zouden duren. Maar hij had het mis. Tegen de tijd dat aan De terugkeer van de verloren zoon werd begonnen, was Rembrandt failliet. Zijn geliefde vrouw stierf, de vroegere populariteit verdween en de kunstenaar werd ingehaald door armoede. Een belangrijk symbolisch detail is een leistenen bord aan de muur, dat aangeeft dat je vroeg of laat voor alles moet betalen. Dit is een kleine hint van de kunstenaar aan het publiek, die eraan herinnert dat dit verhaal een vervolg heeft.

De finale van Rembrandts gelijkenis is de tweede versie, geschreven in 1669. En in haar is het nogal moeilijk om een bleke, uitgemergelde, fysiek en moreel gebroken persoon te herkennen die terugkeert naar zijn vader. Hij verliet het in zijn jeugd, als gokker, een roekeloze plezierzoeker die zijn deel van de erfenis tot de laatste cent verkwanselde. De kunstenaar schilderde dit werk slechts enkele maanden voor zijn dood.

De terugkeer van de verloren zoon

Het laatste grote schilderij van Rembrandt, De terugkeer van de verloren zoon, dateert uit 1669. Nu wordt het tentoongesteld in de Hermitage. Het is een monumentaal vertoon van overweldigende liefde en vergeving. De karakters zijn op ware grootte afgebeeld. Als je naar de foto kijkt, die ervoor staat, kun je echt voelen hoe de zachte omhelzing van de vader de kijker omhelst. Uit een opzettelijk donkere achtergrond van rijk bruin en fluweelachtig zwart komen drie figuren tevoorschijn, badend in licht. Rembrandts visitekaartje is een onbekend licht dat uit de diepte komt. Een boog van licht strekt zich uit van de voeten van de verloren zoon door zijn gescheurde kleren en geschoren, gebogen hoofd, in de armen van zijn vader, zijn blinde ogen verlichtend in de finale. Het volgende lichtpunt is het gezicht van de oudste zoon, die bij zijn vader bleef - dit is een prototype van het geweten.

Het belangrijkste hier zijn de benen van de verloren zoon. Ze zijn gewond, naakt, geschoeid in dezelfde gerafelde schoenen en vertellen een heel verhaal (feestvreugde - fouten - mislukking - nederlaag - wroeging). Het enige wat hij nog heeft is een dolk aan zijn riem (mogelijk een geschenk van zijn vader, die hij nooit zou verkopen) De zoon rust op de borst van zijn vader en daar vindt hij genade, acceptatie, vergeving en liefde. Zijn hoofd is kaalgeschoren - dit is een aanwijzing dat hij tot op de bodem is gezonken. Hij was een gevangene. De zachtheid van de rode jurk van de vader en de zachtheid van zijn omhelzing zijn zeer voelbaar. Dezelfde rode kleur echoot in de gewaden van de oudere broer en verbindt de vader en zijn oudste zoon. Maar in plaats van liefde is het gezicht van de oudere broer vol minachting en veroordeling. Hij staat opzij, wreed en onbeweeglijk. Wat is er met de hoofdpersoon gebeurd? Met zijn zelfvertrouwen en mooie dure kleren? Alles wat zinloos was, glipte uit hem als kaf. Ten koste van lijden en verlies… drong de waarheid tot hem door.

In Nederland, een protestants land, waar kerken geen beschilderde altaren hadden en grote schilderijen met religieuze thema's zelden werden geschilderd, creëerde Rembrandt vrijwillig een monumentaal meesterwerk waarin de schildertechniek een spiritueel karakter kreeg. De kunstenaar onthulde in het thema van de verloren zoon de evolutie van zijn leven en werk. Hij plaatste zichzelf letterlijk voor het Laatste Oordeel. Men kan het absoluut eens zijn met een aantal critici die "De terugkeer van de verloren zoon" het grootste schilderij aller tijden noemden.