Wat gemeenschappelijk is tussen het werk van Picasso en de oudheid: onnavolgbare geïmiteerde werken van het genie van het kubisme en het surrealisme

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Pablo Picasso behoeft geen introductie. Kubistisch schilder, tekenaar, keramist, beeldhouwer en graficus, hij blijft een van de meest invloedrijke figuren in de moderne cultuurgeschiedenis. Hoewel hij zich echter in het epicentrum van de hedendaagse kunst bevond, waren veel van zijn inspiratiebronnen rechtstreeks afkomstig uit het verre verleden. Dat is niet verwonderlijk, want kunstenaars hebben altijd achterom gekeken. Maar de manier waarop de oudheid keer op keer verscheen in de werken van Picasso was verre van de moralistische academische schilderijen van de 18e eeuw, cultuur en beelden.

Pablo was een groot verzamelaar en hij werd vooral aangetrokken door de eenvoud en het mysterie van oude artefacten. Hij ontdekte de oude Griekse kunst als student en bezocht het Louvre, terwijl bezoeken aan andere Europese musea onthulden dat hij inspiratie put uit vroegere mediterrane beschavingen. In 1917 bezocht Pablo voor het eerst Italië met collega-kunstenaar Jean Cocteau. Hij was zo geïnspireerd door de Romeinse kunst die hij daar zag, dat het leidde tot wat bekend staat als zijn klassieke periode. De werken van de kunstenaar van 1917 tot 1923 zijn gevuld met naaktbeelden, klassieke compositie en mythologie.

Zelfs daarvoor was Pablo begonnen met het maken van verontrustende en vaak erotisch-agressieve gravures van de mythologische Minotaurus. Het is niet verwonderlijk dat dit mythologische stierachtige wezen een terugkerend beeld was in het werk van de kunstenaar. Stieren waren natuurlijk een belangrijk onderdeel van de Spaanse cultuur, maar dat was niet alles. Pablo was gefascineerd door de erotische energie en enorme fysieke kracht van het wezen. Daarom zijn er veel versies waarin hij de Minotaurus als zijn portret gebruikte.

Maak kennis met de Venus van Willendorf, een 25.000 jaar oud kalkstenen beeldje dat in 1908 werd ontdekt aan de oevers van de rivier de Donau in Oostenrijk. Het is een van de vroegst bekende kunstwerken ter wereld. De vrij grote borsten van het beeldje, evenals haar brede heupen en buik, doen velen geloven dat ze een zwangere vrouw voorstelt, mogelijk een symbool van vruchtbaarheid.

Buiten de algoritmen is Venus van Willendorf echter meer een verheerlijking van een vrouw in al haar lichamelijke uitersten, een mooie en zware abstractie van de vrouwelijke vorm. Pablo was zo door haar gefascineerd dat hij kopieën van haar in zijn atelier bewaarde.

En het is helemaal niet verwonderlijk dat de invloed van Venus doorschijnt in de vroege kubistische naaktschilderijen van de kunstenaar, die bijna gelijktijdig met haar ontdekking zijn geschilderd. Deze monumentale moderne naakten verwijzen naar de vorm van haar lichaam, haar hangende borsten en laaghangende buik. Pablo's naakten hebben de neiging om hetzelfde gevoel van ernst te hebben in hun verrassend expressieve eenvoud.

Deze abstractie van het vrouwelijk lichaam werd in de twintigste eeuw met zo'n kracht nieuw leven ingeblazen dat het zijn impuls nog niet heeft uitgeput. Een uitstekend voorbeeld hiervan is het werk van de Franse kunstenaar Niki de Saint Phalle. Haar vrolijke sculpturen van Nana brengen perfect het gewicht en de aanwezigheid van de symbolische vrouwelijke vorm over.

Venus van Willendorf is slechts één voorbeeld van hoe prehistorische meesters figuratieve vormen abstraheren. Vergelijk de afbeeldingen hierboven en hieronder. De eerste hiervan is een beeldhouwwerk van ongeveer veertienduizend jaar oud, gevonden in de La Madeleine-grot in Frankrijk in 1875. Het tweede object hieronder is een omgebouwd fietszadel en stuur - een geestig stukje moderne kunst. Deze fragmenten zijn duizenden jaren van elkaar gescheiden, maar beide zijn doordrenkt met dezelfde geest van abstractie.

Beide vormen waren vooraf bepaald door het materiaal waaruit ze waren opgebouwd. Onze prehistorische beeldhouwer heeft op briljante wijze een bizon afgebeeld die zijn kop met patroon opzij draait. Pablo's stierenkop is veel eenvoudiger: het fietszadel en het stuur herwerken. Beide objecten laten zien dat de maker hetzelfde doet door het object te interpreteren.

In feite is het vermogen om te abstraheren wat oude kunst verbindt met moderne kunst. Oud-Grieks zwart (en later rood) aardewerk, zoals de afbeelding boven de Panatheense prijsamfora, getuigt van een compleet gebrek aan respect voor driedimensionaliteit. Dit was niet te wijten aan het feit dat de fabrikanten op de een of andere manier niet over de technologie beschikten.

Aardewerk met rode en zwarte figuren laat zien, samen met beeldhouwwerken uit ongeveer dezelfde datum, dat ambachtslieden veel meer bezig waren met tekenen, symmetrie en stijl dan dat ze enige interesse toonden in het weergeven van wat (of wie) voor hen stond. Hetzelfde geldt voor Picasso. Abstractie is immers het begrijpen van wat er voor je ligt en de beslissing om het op een heel andere manier uit te beelden.

Pablo beschreef de totstandkoming van zijn werken in 1943 aan fotograaf George Brassai: Als we prehistorisch en modern werk samen bekijken, blijkt dat het creatieve proces gewoon niet is veranderd.

Pablo's interesse in oude keramiek was het meest aanwezig in de late jaren 1940 en vroege jaren 1950, toen zijn studio was gevestigd in Vallauris, Frankrijk. Het is in deze omgeving dat zijn fascinatie voor de oudheid het meest verrassend is, zowel vanuit het oogpunt van de gelijkenis van de vorm van zijn keramische vaten en sculpturen, en hun decoratieve en lineaire motieven. Zoals altijd vond de kunstenaar een soort fictieve mythologie uit, verzadigd met tijdloze en pastorale beelden, in plaats van afbeeldingen en vormen rechtstreeks uit het verre verleden te kopiëren.

In 2019 opende de fantastische tentoonstelling "Picasso en Oudheid" in het Museum voor Cycladische Kunst in Athene. Curatoren Nikolaos Stampolidis en Olivier Berggrün combineerden de zeldzame keramiek en tekeningen van de kunstenaar met antieke artefacten, waardoor bezoekers een directe link tussen Pablo en de antieke wereld konden zien. Alleen door duidelijk te zien hoe deze objecten naast elkaar op elkaar inwerken, wordt duidelijk hoeveel Picasso in zijn werken uit de oudheid leende.

Pablo's aandacht werd niet alleen gevestigd op westerse oudheden. In de vroege jaren 1900 werd de esthetiek van de traditionele Afrikaanse beeldhouwkunst ook een krachtige esthetiek onder avant-garde Europese kunstenaars. De kunstenaar zelf bleef in feite dubbelzinnig over deze kwestie, ooit beroemde verkondiging: "Afrikaanse kunst? Ik heb nog nooit van zoiets gehoord."

En het is helemaal niet verwonderlijk dat deze controverse iets meer dan tien jaar geleden naar voren kwam. De eerste belangrijke tentoonstelling van het werk van de kunstenaar in Zuid-Afrika leidde tot woedende protesten nadat een hoge regeringsfunctionaris hem beschuldigde van het stelen van werken van Afrikaanse kunstenaars om zijn 'falende talent' een boost te geven.

In The Maidens of Avignon behandelt Pablo de figuur op een gestileerde manier die versmelt met niet-westerse artistieke paden. De drie gezichten in de bovenstaande afbeelding zouden zijn gemodelleerd naar het oude Iberische beeldhouwwerk. Het gerucht gaat dat Picasso bezit nam van verschillende van deze oude sculpturen die door zijn kennissen uit het Louvre waren gestolen.

Pablo zelf zei ooit: Je hoeft alleen maar naar zijn onstuimige amoureuze leven te kijken en het gehoornde en gespierde beest te zien als zijn dierlijke alter ego. Als deze verhalen waar zijn, was hij met andere woorden een echt monster voor veel van zijn minnaressen. Terwijl hij zichzelf afbeeldde als een Minotaurus, schepte hij tegelijkertijd op en bekende hij dit aspect van zijn karakter.

Dus was hij echt een hedendaagse kunstenaar? Oh zeker. Maar het is heel belangrijk om de verbanden tussen zijn werk en de kunst van de oudheid te onthouden. Pablo's hedendaagse kunst zou ons eraan moeten herinneren dat de creatieve vonk vanaf het allereerste begin helder in de mensheid heeft gebrand. De kijker moet niet naar het werk van Pablo kijken en daarin de creatie van iets geheel nieuws zien, het is eerder de moeite waard om zijn werk op zo'n manier te nemen om zichzelf eraan te herinneren dat er in feite weinig is veranderd en het onwaarschijnlijk is dat dit zal gebeuren verandering.

Voortzetting van het onderwerp over kunstenaars, lees ook over hoe de figuratieve schilderkunst weer tot leven kwam, die een vaste plaats inneemt in de wereld van de hedendaagse kunst.