Waarom maakte het publiek het werk van de impressionisten belachelijk en hoe eindigde het allemaal (deel 1)

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

De beweging, die het moderne leven, licht en moment probeerde vast te leggen, is een van de favoriete genres van de 21e eeuw geworden. Maar de impressionisten werden in de jaren 1860 en 1870 sterk afgewezen door het artistieke establishment en het publiek. Velen van hen hadden moeite om de eindjes aan elkaar te knopen. En soms veroorzaakten sommigen van hen zelfs een storm van verontwaardiging, waarbij ze de wereld hun werken lieten zien, die altijd door de samenleving worden veroordeeld en afgewezen.

1. Edouard Manet: Ontbijt op het gras

Ontbijt op het gras, gepresenteerd door Edouard Manet op de Salon des Beaux-Arts (een jaarlijkse tentoonstelling georganiseerd door de invloedrijke en conservatieve Academie voor Schone Kunsten), werd door de jury afgewezen. In plaats daarvan werd het schilderij tentoongesteld in een andere tentoonstelling, die in 1863 werd gehouden onder de titel "Salon of Refusals" (of Tentoonstelling van Refuses), die openstond voor meer dan drieduizend werken, die werden afgewezen door de Salonjury, waar het vijandige reacties ontving van zowel het publiek als de kant van de recensenten. Mensen kwamen massaal naar de tentoonstelling om het werk in de open lucht uit te lachen en uit te lachen.

De recensenten zeiden dat Ontbijt op het gras zo verstoken was van finesse dat het met een vloerdweil kon worden geschilderd, en de mensen op het schilderij zagen eruit als een poppenrecensent. Het probleem was dat dit schilderij geen kunst was. Zoals de Fransen wisten hem. Manet beeldde immers geen Griekse mythologie, Romeinse geschiedenis of een religieus tafereel uit. Bovendien was het schilderij niet geschilderd met fijne vermengde penseelstreken die een bijna fotografisch effect opleverden. In plaats daarvan gebruikte hij gedurfde kleuren, brede, ongemengde penseelstreken en portretteerde hij destijds een riskant modern tafereel. Als gevolg hiervan konden de Fransen dergelijke schilderijen nog twee of drie decennia niet waarderen.

Wat het werk zelf betreft, op de voorgrond stelt ze een mooie naakte vrouw voor die kletst met twee goedgeklede jonge mannen, terwijl de tweede vrouw iets verder van hen af in bad zit. De blik wordt direct naar het naakt getrokken, maar bij nadere beschouwing rijzen er een aantal vragen. Waarom zijn mannen volledig gekleed als een vrouw naakt is? Is ze verward? Waarom is de badende vrouwenfiguur gekleed? Wat doet ze (voeten wassen, vissen…)? Heeft het schilderij echt een probleem met perspectief?Hoewel interessant, dit debat mist het punt. Manet maakte een controversieel statement met dit werk. Hij daagde de orthodoxie uit en demonstreerde zijn nieuwe methoden. En het werkte: heel Parijs begon over hem te praten. Le Dejuner Sur l'herbe bevindt zich in de permanente collectie van het Musée d'Orsay in Parijs. Er is een kleinere eerdere versie van dit werk in de Courtauld Gallery in Londen.

2. Claude Monet, Rijzende zon, 1872

In 1873 raakte de groep, bekend als de impressionisten, uiteindelijk gedesillusioneerd door de Salon en besloot ze hun eigen tentoonstelling te organiseren. En ondanks het feit dat de meesten van hen dat deden, weigerde Manet deel te nemen aan de onafhankelijke tentoonstelling, omdat hij vreesde dat het hem verder zou verdrijven uit het Franse kunst establishment. De eerste tentoonstelling van de groep, gehouden in 1874, omvatte werken van Monet, Cézanne, Renior, Degas en Pissarro en werd georganiseerd in de Rue de Capuchins.

De groep richtte een bedrijf op waarin ze elk aandelen bezaten en een instapvergoeding van één frank in rekening brachten. De opkomst was goed (er kwamen zo'n drie en een half duizend mensen), maar de slechte indrukken van de Salon werden weer herhaald, omdat het publiek kwam spotten en de recensies vijandig waren. Een van de recensenten zei dat de tentoonstelling het werk was van een grappenmaker die geamuseerd was door het feit dat "penselen in verf doopte, het over de werven van het canvas smeerde en ze ondertekende met verschillende namen." Maar de beroemdste en langbesproken recensie werd achtergelaten door Louis Leroy, die niet vleiend sprak over Monet's schilderij "Zonsopgang":.

Helaas begreep het publiek niet en accepteerde het lange tijd niet dat de impressionisten iets nieuws probeerden; schilderijen die weerspiegelden hoe ze over de scène dachten, geen schilderijen die dicht bij het fotografische beeld stonden. Dus wat is "Sunrise" precies en waarom werd het vijandig ontvangen? Zonsopgang is eigenlijk een schilderij van de haven van Le Havre, de geboorteplaats van Monet, bij zonsopgang. De ogen worden getrokken door twee kleine roeibootjes op de voorgrond en de rode zon weerspiegeld in het water. Daarachter staan de schoorstenen en klippermasten die structuur geven aan het werk. Het blijft nog steeds een raadsel waarom zo'n onschuldig werk lange tijd bezweek voor harde kritiek en spot. Als gevolg hiervan werd dit schilderij, ondanks de weinig vleiende recensies, in 1985 gestolen door vijf gemaskerde bandieten en kwam het vijf jaar niet terug (na te zijn verborgen in een kleine Corsicaanse villa). Tegenwoordig is Sunrise gehuisvest in het Musée Marmottan-Monet in Parijs, een klein museum met meer dan driehonderd werken van de grote impressionistische schilder.

3. Edgar Degas, dansles

Edgar Degas, de zoon van een rijke bankier, was een complexe man. De vader van Degas (in tegenstelling tot de vader van Manet) had geen bezwaar tegen de artistieke ambities van zijn zoon. Maar Degas begon als een klassieke schilder en kopieerde schilderijen van de oude meesters in het Louvre en in Italië, Nederland en Spanje. Pas in het begin van de jaren 1870 richtte hij zijn aandacht op het impressionisme. Edgar exposeerde in een aantal van acht impressionistische tentoonstellingen in en na 1874. Hij speelde inderdaad een sleutelrol in hun organisatie. Maar zijn betrokkenheid is altijd controversieel geweest: hij was veeleisend, hard en hield er niet van om impressionist genoemd te worden. Ook in andere opzichten was Degas moeilijk. Van tijd tot tijd accepteerde hij uitnodigingen voor het diner, maar alleen als aan een lange lijst van voorwaarden was voldaan: niet koken in olie, geen bloemen op tafel zetten, niet ruiken naar parfum, geen huisdieren in de kamer houden, diner had precies om 7.30 uur geserveerd moeten worden en de lichten moesten gedimd zijn. De kunstenaar weigerde op straat te schilderen en hield echt niet zo van landschappen. Dit maakte het operahuis en zijn balletpraktijken ideaal.

De serie Dance Classes van Degas tikt alle impressionistische werken aan: dit zijn hedendaagse scènes die levendige kleuren gebruiken om de kijker een gevoel van beweging te geven. Bovendien zijn ze, net als Edgars persoonlijkheid, verstoken van enige sentimentaliteit. Interessant is het moment dat de schilderijen niet worden vastgelegd door de kinderen van de rijke elite. De afgebeelde dansers zijn de nakomelingen van de armen en de Parijse schemerlampen, die hun brood verdienen. Ze trainden urenlang onder de strenge voogdij van de beroemde en dominante danser Jules Perrot, die vaak staand werd afgebeeld, leunend op een grote stok.

Degas' belangrijkste drijfveer in het schilderen van balletdansers was financiën, omdat zo'n plan goed verkocht. En tegen de jaren 1870 had de kunstenaar geld nodig omdat zijn broer een familiebedrijf begon. Versies van Degas' Dance Class zijn te vinden in het Metropolitan Museum of Art in New York en in het Musée d'Orsay in Parijs.

4. Claude Monet, Gare Saint-Lazare

In 1877 had Monet een heel goed idee - hij besloot mist te schilderen. Maar hij wilde niet wachten op het juiste moment en het weer. Toen kwam hij met een ander heel goed idee: de stoom en rook van het station trekken. Maar dat was ook een beetje lastig: hij moest toegang krijgen tot het perron en hij zou moeten vechten tegen de treinen die komen en gaan. Als gevolg hiervan ging de kunstenaar naar het station naar de meester van het station en, zoals Renoir later uitlegde, zag het er ongeveer zo uit:

Monet vertelde de stationschef dat hij de concurrerende verdiensten van het Gare du Nord en Saint-Lazare afwees en voor Saint-Lazare koos. Van zijn kant wist de stationschef weinig van de kunst af en durfde daarom de geloofsbrieven van Monet niet aan te vechten. En omdat hij dacht dat hij een voorsprong had op het Gare du Nord, gaf hij Monet alles wat hij wilde: de perrons waren gesloten, de treinen waren vol kolen, de vertrekken waren vertraagd. Na een paar dagen schilderen vertrok Monet met de helft een dozijn doeken. En toen… was het een kolossaal succes: de kijker voelt bijna fysiek de hitte, het lawaai en de geur van het station. Zoals een recensent heeft opgemerkt, bootsen de schilderijen de indruk na die op reizigers wordt gemaakt door het geluid van naderende en vertrekkende treinen.

Zelfs Albert Wolff, een van de meest conservatieve commentatoren van die tijd, complimenteerde in de tegenovergestelde richting: het schilderij produceerde "een onaangename indruk van meerdere stoomlocomotieven die tegelijkertijd fluiten". Paul Durand-Ruel, de meest betrouwbare impressionistische galeriehouder, kocht dit kavel van Monet en gaf kleine bedragen aan de rest van de groep. In totaal schilderde Monet twaalf schilderijen "Gare Saint-Lazare", die zich over de hele wereld bevinden, waaronder in Londense en Parijse musea.