Hoe 7 grote expressionistische schilders de wereld veroverden, wiens werken over de hele wereld gewaardeerd worden: Munch, Kandinsky, etc

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Het werk van expressionistische kunstenaars is een mysterie dat zo moeilijk op te lossen is, en de beelden die ze creëren zijn zo veelzijdig en tegenstrijdig dat er, als je ernaar kijkt, een plek is waar verbeeldingskracht kan dwalen. De nadruk op kleuren, onderbroken lijnen en gescheurde streken is slechts een klein deel van wat vanaf de eerste seconden de aandacht van de kijker trekt en hem meesleurt in de excentrieke wereld van de kunst, waar alles niet zo eenvoudig is als het op het eerste gezicht lijkt, want elk schilderij heeft zijn eigen verhaal, en elke kunstenaar heeft zijn eigen onovertroffen en herkenbare stijl, die al eeuwenlang een visitekaartje is…

1. Edvard Munch

Edvard Munch, die nooit getrouwd was, noemde zijn schilderijen zijn kinderen en haatte het om van hen gescheiden te worden. De laatste zevenentwintig jaar van zijn leven woonde hij alleen op zijn landgoed in de buurt van Oslo, steeds meer vereerd en steeds meer geïsoleerd, hij omringde zich met werk dat dateert uit het begin van zijn lange carrière. Na zijn dood in 1944, op tachtigjarige leeftijd, vonden de autoriteiten achter gesloten deuren op de tweede verdieping van zijn huis een verzameling van meer dan duizend schilderijen, vier en een half duizend tekeningen en bijna vijftien en een half duizend prenten, als evenals houtsneden, etsen, litho's, lithografische stenen, houtsneden, koperplaten en foto's. Maar in de laatste ironie van zijn moeilijke leven staat Munch tegenwoordig bekend als de maker van één afbeelding die zijn algehele prestatie als pionier en invloedrijke kunstenaar en graficus overschaduwde.

Zijn schreeuw is een icoon van de moderne kunst, een schilderij van een aseksueel, knoestig wezen met een foetaal gezicht, mond wijd open en ogen wijd open in een schreeuw van afschuw, herschepte een visioen dat hem op een avond in zijn jeugd, toen hij liep met twee vrienden Op de zonsondergang.

Bij Ackley begon hij landschapsschilderkunst te maken, waarbij hij het platteland en het boerenleven om hem heen portretteerde, eerst in vrolijke kleuren en daarna in donkere kleuren. Hij keerde ook terug naar zijn favoriete afbeeldingen en creëerde nieuwe versies van sommige schilderijen.

In de laatste jaren van zijn leven steunde de kunstenaar de overlevende leden van zijn familie financieel en communiceerde met hen per post, liever niet om hen te bezoeken. Hij bracht het grootste deel van zijn tijd alleen door en beschreef het lijden en de vernedering van zijn gevorderde jaren. Toen hij tijdens de Grote Pandemie werd getroffen door de bijna fatale griep, legde hij zijn magere, bebaarde figuur vast in een reeks zelfportretten zodra hij een penseel kon pakken.

Daarnaast schilderde hij een aantal zelfportretten, op een daarvan getiteld "Tussen de klok en het bed", daterend uit 1940-1942, kort voor zijn dood ziet de kijker wat er is geworden van een man die, zoals hij schreef, viel achter "Dans van het leven".

Bevroren en fysiek onhandig, staat hij ingeklemd tussen de klok van zijn grootvader en het bed, alsof hij zich verontschuldigt voor het feit dat hij zoveel ruimte in beslag neemt. Op de muur achter hem waren zijn 'kinderen', de een boven de ander. Als toegewijde ouder offerde hij alles voor hen op…

2. Wassily Kandinsky

Wassily Kandinsky, een van de pioniers van de abstracte hedendaagse kunst, gebruikte de suggestieve relatie tussen kleur en vorm om een esthetische ervaring te creëren waarbij het zicht, geluid en emoties van het publiek betrokken waren. Hij geloofde dat volledige abstractie een diepe, transcendentale expressie mogelijk maakt en dat kopiëren uit de natuur dit proces alleen maar verstoort.

Sterk geïnspireerd door de creatie van kunst die een universeel gevoel van spiritualiteit zou overbrengen, introduceerde hij een nieuwe beeldtaal die slechts losjes verbonden was met de buitenwereld, maar veel uitdrukte over de innerlijke ervaring van de kunstenaar. Zijn visuele vocabulaire ontwikkelde zich in drie fasen, gaande van vroege, representatieve doeken en hun goddelijke symboliek tot zijn enthousiaste en operacomposities, evenals zijn latere, geometrische en biomorfe platte kleurenafbeeldingen. Vasily's kunst en ideeën hebben generaties kunstenaars geïnspireerd, van zijn studenten aan het Bauhaus tot de abstracte expressionisten na de Tweede Wereldoorlog.

3. Egon Schiele

Met zijn kenmerkende grafische stijl, figuratieve vervorming en gedurfde strijd met conventionele schoonheidsnormen, was Egon Schiele een van de leidende figuren in het Oostenrijkse expressionisme.

Zijn portretten en zelfportretten, brandende studies van de psyche en intimiteit van zijn sitters, behoren tot de meest opvallende en gedenkwaardige werken van de 20e eeuw. De kunstenaar, opvallend productief tijdens zijn korte carrière, is niet alleen beroemd om zijn psychologisch en erotisch rijke werk, maar ook om zijn intrigerende biografie: zijn losbandige levensstijl wordt gekenmerkt door schandalen, bekendheid en een tragisch vroege dood door de griep op de leeftijd van achtentwintig, drie dagen later, na de dood van zijn zwangere vrouw, en in een tijd dat hij op de rand van commercieel succes stond dat hem het grootste deel van zijn carrière ontging.

Egon was een sleutelfiguur in de ontwikkeling van het expressionisme in de schilderkunst. Hij schreef een fenomenaal aantal zelfportretten en voltooide meer dan drieduizend tekeningen. Zijn werk heeft vaak een intense emotionele inhoud naast een openhartige verkenning van het menselijk lichaam. Hij werkte samen met Gustav Klimt en Oskar Kokoschka, andere belangrijke Oostenrijkse kunstenaars uit die tijd.

Egons korte maar vruchtbare artistieke carrière, de expliciete erotische inhoud van zijn werk en beschuldigingen van intieme intimidatie maakten hem het onderwerp van talloze films, essays en dansvoorstellingen, en het Leopold Museum in Wenen heeft de grootste collectie van Schieles werken: meer dan tweehonderd exposeert.

4. Marc Chagall

Chagalls werken zijn doordrenkt van zijn joodse erfgoed, vaak met herinneringen aan zijn huis in Vitebsk, Wit-Rusland, en zijn volkscultuur. In de regel keerde de kunstenaar altijd terug naar deze thema's. Sommigen beweren dat zijn schilderstijl na de oorlog ingetogener, melancholischer was, zelfs terugging in de tijd naar het post-impressionisme, maar zoals altijd was zijn werk volkomen uniek, gedaan in zijn eigen onnavolgbare stijl. Mark heeft tijdens zijn carrière elementen van veel moderne kunstscholen gecombineerd, waaronder kubisme, fauvisme, symbolisme, surrealisme, orfisme en futurisme. Zijn werk onthulde echter diepere niveaus van resonerende, lyrische emotionele esthetiek, muziek en cultuur, een diep, innerlijk begrip van het Joodse erfgoed.

In 1985 stierf Chagall en werd begraven in Frankrijk. Op het moment van zijn dood liet hij een aantal van zijn uitgebreide collecties achter op verschillende gebieden en stijlen van kunst. Marks werk getuigt van een meesterlijk begrip van kleur en een diepe emotionele resonantie, wat misschien de reden is dat zijn werk vandaag de dag nog steeds zo populair is.

Zijn bijdrage aan de wereld van de 20e-eeuwse kunst is er een die maar weinig kunstenaars kunnen claimen.

5. Paul Klee

Paul was ambitieus en idealistisch, maar bleef onopvallend en kalm. Hij geloofde in de geleidelijke organische evolutie van gebeurtenissen in plaats van verandering te forceren, en zijn systematische benadering van het werk weergalmde deze methodische benadering van het leven.

Hij was vooral tekenaar (linkshandig trouwens). Zijn tekeningen, soms erg kinderachtig, waren heel precies en beheerst.

Klee was een scherp waarnemer van de natuur en natuurlijke elementen, wat een onuitputtelijke bron van inspiratie voor hem was. Hij dwong zijn studenten vaak om boomtakken, de menselijke bloedsomloop en aquaria met vissen te observeren en te tekenen om hun beweging te bestuderen.

Pas in 1914, toen Paul naar Tunesië ging, begon hij kleur te begrijpen en te verkennen. Daarnaast liet hij zich in zijn kleurstudies inspireren door zijn vriendschap met Kandinsky en het werk van de Franse kunstenaar Robert Delaunay. Paul leerde van Delone wat kleur kan zijn als het op een puur abstracte manier wordt gebruikt, ongeacht de beschrijvende rol ervan.

De kunstenaar werd ook beïnvloed door zijn voorgangers zoals Vincent van Gogh, Henri Matisse, Picasso, Kandinsky, Franz Marc en andere leden van de Blue Rider-groep, die geloofden dat kunst het spirituele en metafysische moest uitdrukken, en niet alleen wat wordt gezien en tastbaar.

Muziek heeft zijn hele leven een grote invloed gehad, zich manifesterend in het visuele ritme van zijn beelden en in de staccato noten van zijn kleuraccenten. Hij creëerde een beeld dat sterk lijkt op de manier waarop een muzikant een muziekstuk speelt, alsof hij muziek zichtbaar of beeldende kunst hoorbaar maakt.

Klee's artistieke nalatenschap was enorm, ook al noemden veel van zijn opvolgers zijn werk niet openlijk als een voor de hand liggende bron of invloed. Zelfs tijdens het leven van Paul ontdekten de surrealisten dat zijn schijnbaar willekeurige nevenschikking van tekst, abstracte tekens en reductieve symbolen suggereert hoe de geest in een slaaptoestand ongelijksoortige alledaagse voorwerpen opnieuw combineert en zo een nieuw begrip geeft van hoe het onbewuste zelfs macht heeft over de realiteit van wakker worden…

De reputatie van de kunstenaar groeide aanzienlijk in de jaren vijftig, toen bijvoorbeeld abstract expressionisten zijn werk te zien kregen op tentoonstellingen in New York. Paul's gebruik van tekens en symbolen was van bijzonder belang voor New York School-kunstenaars, vooral degenen die geïnteresseerd zijn in mythologie, het onbewuste en primitivisme (evenals de kunst van zelfopvoeding en de kunst van kinderen). Klee's gebruik van kleur als expressief middel om menselijke emoties op zich uit te drukken, trok ook kunstenaars aan met een voorkeur voor een rijk kleurenpalet, zoals Jules (Jules) Olitzky en Helen (Helene) Frankenthaler.

6. Franz Marc

Als leidende figuur in de Duitse expressionistische beweging hielp Mark de aard van kunst te herdefiniëren. De expressionistische beweging stond bekend om haar interesse in spiritualiteit en primitivisme, evenals om het gebruik van abstractie. Franz verwerkte zijn liefde voor theologie en dieren in zijn werk om een alternatieve, meer spirituele visie op de wereld te creëren. Hij portretteerde de wereld door de ogen van dieren, die hij gebruikte om aspecten van de moderniteit te benadrukken die hij ongunstig vond. Maar zijn latere werken gingen ook verder dan representatieve vormen naar pure abstractie, wat de weg vrijmaakte voor de volgende generatie kunstenaars.

Hoewel zijn carrière kort was, hebben zijn expressieve lineaire vormen en symbolisch kleurgebruik een blijvende invloed gehad op de werelden van abstractie en expressionisme. Maar kunstenaars als Jackson Pollock en Willem de Kooning mogen zijn nakomelingen genoemd worden. Deze kunstenaars werden geïnspireerd door Marks vermogen om emoties op te roepen met zijn interesse in het spirituele en het primitieve, evenals zijn gebruik van levendige kleuren. Abstract expressionisten maakten gebruik van Franz' bijdragen om schilderijen te maken die de nadruk legden op meer minimale, algemene vormen, waarbij de nadruk vooral lag op lineaire expressie en kleur.

Deze nieuwe benaderingen van het expressionisme probeerden de persoonlijke worstelingen van kunstenaars te benadrukken met de veranderingen die plaatsvonden na het einde van de Tweede Wereldoorlog. Latere generaties expressionisten, zoals de colourfield-schilders die het expressionisme in zijn meest minimalistische, simplistische staat brachten, kunnen worden gezien als afstammelingen van Mark en zijn tijdgenoten. Franz Marc was inderdaad een van de grondleggers van het Duitse expressionisme en speelde een belangrijke rol bij het definiëren van het modernisme in de 20e eeuw en daarna.

7. Van Gogh

Illustratieve voorbeelden van Van Goghs brede invloed zijn te zien in de kunstgeschiedenis. De fauvisten en Duitse expressionisten werkten direct na Van Gogh en namen zijn subjectieve en spiritueel geïnspireerde kleurgebruik over. Abstracte expressionisten van het midden van de 20e eeuw gebruikten Van Goghs vegende, expressieve penseelstreken om de psychologische en emotionele toestand van de kunstenaar te tonen. Zelfs neo-expressionisten uit de jaren 80 als Julian Schnabel en Eric Fischl hebben veel te danken aan Van Goghs expressieve palet en penseel.

In de populaire cultuur is zijn leven de inspiratie geweest voor muziek en talloze films, waaronder Vincent Minnelli's Lust for Life (1956), waarin de vluchtige relatie tussen Van Gogh en Gauguin wordt onderzocht. Van Gogh maakte tijdens zijn leven negenhonderd schilderijen en maakte duizendhonderd tekeningen en schetsen, maar tijdens zijn carrière verkocht hij slechts één schilderij. De kunstenaar had zelf geen kinderen en de meeste van zijn werken gingen naar zijn broer Theo.

Voortzetting van het thema van grote schilders, lees ook over waar de surrealist Joan Miró inspiratie zocht, en welke van de dichters en kunstenaars had de sterkste invloed op zijn werk.