Weinig bekende feiten over digitaal schilderen die bewijzen dat dit genre hoge kunst is

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Digitaal schilderen is een fijne lijn van tegenstellingen, een combinatie van felle kleuren met geavanceerde technologie. Dit is een verbazingwekkende wereld van kunst, waar elke gemaakte foto zo veelzijdig is dat het soms moeilijk te begrijpen en te waarderen is. Iemand geeft de voorkeur aan een gemengde stijl en iemand vanaf het begin gebruikt uitsluitend een tablet om te tekenen en een tiental geschikte programma's voor verwerking. Maar op de een of andere manier is deze kunst behoorlijk populair over de hele wereld en kan ze bogen op een even levendige en fascinerende geschiedenis van haar ontstaan.

1. Geschiedenis van digitaal schilderen

Sinds de uitvinding van de fotografie aan het einde van de 19e eeuw begon de schilderkunst langzaam te vervagen en ontstond er een echte confrontatie tussen fotografen en kunstenaars, omdat iedereen zijn standpunt probeerde te verdedigen en te bewijzen. Pas in de jaren zestig, met de opkomst van pop-art en fotorealisme, begonnen kunstenaars het concept van digitaal schilderen te verkennen. Een van de eersten die digitale esthetiek toepast, was popartiest Roy Lichtenstein, die inktstippen in zijn kunst introduceerde, die hij nauwgezet met de hand schilderde met speciale verf door middel van een metalen stencil.

In het schilderij Penseelstreken uit 1965 vergroot Liechtenstein een stripverhaal genaamd Schilderij van Dick Giordano. De abstracte vormgeving van zijn compositie doet denken aan die van de New Yorkse abstract expressionisten uit de jaren vijftig, maar Liechtenstein parodieert bewust hun vermeende originaliteit door zijn abstracte compositie en druipende verf volledig synthetisch te maken.

In het kielzog van de Amerikaanse popart ontstond in West-Berlijn een alternatieve groep kunstenaars die zichzelf kapitalistische realisten noemden en zichzelf 'de eerste Duitse popartiesten' noemden.

Een van de meest prominente leden van de groep was Sigmar Polke, die de werelden van media, reclame en populaire cultuur bestudeerde. Maar in tegenstelling tot de Amerikaanse popcultuur, kozen kapitalistische realisten een meer ruwe en rommelige benadering, waarbij ze het expressionisme van het Duitse verleden combineerden met elementen van mediabeelden om hun eigen digitale schilderstijl te creëren.

Net als Liechtenstein hield Polke van stippen. Hij plaatste, drukte en schilderde deze stippen in veel van zijn schilderijen en transformeerde ze in zijn eigen gedurfde kenmerkende stijl, zoals te zien is in het schilderij Untitled uit 1963.

De Duitse kunstenaar Gerhard Richter was nauw verbonden met Polke en de kapitalistische realistische beweging, en deelde met Polke een wederzijdse fascinatie voor hoe het bedrukte oppervlak in de schilderkunst kon worden verwerkt. Richter is misschien het best bekend om zijn kenmerkende wazige fotorealistische schilderijen, die de zachte focus van fotografie zo goed nabootsen dat je je vaak afvraagt of ze echt zijn geschilderd. Zijn werk was nauw verbonden met Amerikaanse fotorealisten uit de jaren zestig en zeventig, die op zoek waren naar manieren om het scherpe realisme van fotografie nauwgezet over te brengen in de schilderkunst.

Maar Richter koos voor een meer experimentele benadering, waarbij hij fotografische en schilderkunstige effecten met elkaar vermengde, waarmee hij zijn bewondering uitdrukte voor de nieuwe golf van kunst. In de jaren zeventig begon Gerhard zijn eigen expressieve, abstracte schilderijen te fotograferen en op basis van deze foto's nieuwe te maken. Zoals te zien is in Abstract Painting # 439, 1978, versmelt de vloeibare vloeibaarheid van verf met het glanzende, ongerepte oppervlak van de foto, waardoor een digitaal schilderij ontstaat. Zowel Richter als Polke hebben een bijzonder grote invloed gehad op hedendaagse kunstenaars, die hun vaardigheden en experimentele benaderingen bij het creëren van een bepaald werk blijven ontwikkelen.

2. Collages

Veel hedendaagse kunstenaars putten hun verhalen uit gevonden fotografische bronnen in plaats van directe observatie, wat de penetratie van gedrukte media in het dagelijks leven weerspiegelt. Enkele van de meest avontuurlijke hedendaagse kunstenaars benadrukken bewust het digitale karakter van het originele materiaal, waarbij de nadruk wordt gelegd op de texturen en oppervlakken van de originele print en de bijgesneden of gescheurde randen.

De Britse kunstenaar Dexter Dalwood maakt schilderijen op basis van zijn eigen kleine collages, waarbij hij opzettelijk scherp uitgesneden lijnen of ongelijkmatige verfopeningen op canvas reproduceert, en zo vreemde, illusoire plekken creëert, zoals te zien is in een van zijn werken in 2004. Net als Dalwood houdt de Britse kunstenaar Neil Gull ervan zich te verdiepen in de visuele efemere verschijnselen van het dagelijks leven en probeert hij deze zo origineel mogelijk in de schilderkunst op te nemen.

3. Computers, printers en kopieerapparaten

De tijd staat niet stil en kunstenaars blijven experimenteren met de speelse tweedeling tussen digitaal printen en schilderen. De Amerikaanse kunstenaar Wade Guyton maakt werken die typerend zijn voor de term digitaal schilderen door af te drukken op canvasvellen met een grootformaat inkjetprinter Epson Stylus Pro 9600. Zijn kenmerkende geometrische patronen van vierkanten, kruisen en rasters worden op de computer gemaakt voordat ze op canvas worden afgedrukt, maar Hij houdt vooral van technische storingen die zich voordoen bij de drukker waar hij geen invloed op heeft, wanneer het canvas vast komt te zitten en eruit moet worden getrokken, en de inkt gewoon begint uit te vloeien en zich met elkaar vermengt.

De hedendaagse Duitse kunstenares Charlene von Hale werkt vanuit de gevonden beelden, die ze vervolgens tijdens het schilderen verduistert en abstraheert. Sinds 2001 experimenteert ze met kopieerapparaten en hoe ze bestaande afbeeldingen kunnen vervormen en transformeren en haar een eindeloze reeks nieuwe materialen kunnen bieden om mee te werken om haar eigen stijl van digitaal schilderen te creëren. Soms creëert ze nieuwe beelden door over fotokopieën heen te schilderen, zoals te zien is in een schilderij uit 2003.

4. Zwevende afbeeldingen

Een van de meest opwindende digitale schilderkunstenaars van vandaag is de Amerikaanse kunstenaar Jacqueline Humphries, wiens schilderijen de digitale talen van captcha-codes, emoji's en computerprogramma's illustreren. Haar ingewikkelde herhalende patronen van stippen, streepjes, kruisen en emoji's worden getekend met een industriële stencilsnijder, die ze vervolgens weeft met expressionistische verfstrepen, waarbij ze digitaal schilderen combineert met de onvoorspelbare bewegingen van haar hand. Ze vergelijkt dit gelaagdheidsproces met computeractiviteit op meerdere schermen, waarbij de kijker meerdere pagina's tegelijk kan bekijken, de een boven de ander.

Haar beroemde Black Light-serie schilderijen bootst verder de esthetiek na van gloeiende computerschermen die zijn beschilderd met ultraviolette verf op enorme doeken die alleen te zien zijn in een verduisterde kamer verlicht door ultraviolette lampen, wat haar schilderijen geeft wat ze 'filmische kwaliteit' noemt.

De Amerikaanse abstracte kunstenares Amy Sillman is misschien het best bekend om haar losse geïmproviseerde doeken gemaakt van netwerken van gelaagde lijnen, vormen en levendige kleuren, maar ze maakte ook soulvolle animaties die haar beeldtaal tot leven brengen. Animatiewerk "Thirteen Possible Futures: Cartoon for a Painting", 2012, is gemaakt met behulp van de iPad-tekenapp. Sillman printte vervolgens elk frame van de animatie uit en veranderde ze in een enorme installatie, waardoor de kijker een kijkje kon nemen achter de schermen van het bredere besluitvormingsproces dat nodig is om een enkel kunstwerk te maken.

5. De toekomst van digitaal schilderen

Nu we een toekomst van ontluikende technologische ontwikkeling tegemoet gaan, lijdt het geen twijfel dat de reikwijdte van digitaal schilderen zich in nieuwe en opwindende richtingen zal blijven uitbreiden. De Britse kunstenaar Glenn Brown ziet de toekomstige rol van schilderkunst in het herwerken en opnieuw vormgeven van de geschiedenis van de kunst uit het verleden, en het transformeren in iets nieuws. Zijn schilderijen kopiëren en herscheppen eerdere schilderijen, oud en nieuw, van Rembrandt van Rijn tot Frank Auerbach, met behulp van verschillende soorten filters brengt hij ze tot perfectie, ademt ze volledig nieuw leven en betekenis in.

De menselijke fantasie kent geen grenzen, vooral als het gaat om creativiteit en kunst. Kunstenaars, fotografen en beeldhouwers van over de hele wereld blijven het publiek verbazen met hun werken, die veel vragen oproepen en vaak onbeantwoord blijven. Duizelingwekkende kunstillusies waren geen uitzondering., kijkend naar waar de aarde letterlijk van onder onze voeten wegtrekt.