Ontbijt in Hollandse Stijl: Hoe 'lekkere' stillevens een aparte schilderrichting zijn geworden

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Ofwel zeer rijke kenners van de schilderkunst, of gewone Hollandse burgers, die zo'n vierhonderd jaar geleden leefden, kregen echter de kans om de muur van hun woon- of eetkamer te versieren met een schilderij uit de 17e eeuw. Toen verschenen de eerste ontbijtstillevens, die al snel erg populair werden, en als je ze goed bekijkt, wordt duidelijk waarom.

Eetlustopwekkende schilderijen: stillevens uit Haarlem

De eerste stillevens waren ontworpen om een muurnis te verbergen of een kozijn te versieren - Nederlandse burgers konden het zich veroorloven, en dankzij een groot aantal werken van kunstenaars op de kunstmarkt konden ze de beste kiezen, of in ieder geval degenen die duurder waren voor het oog van de eigenaar van het huis. Aanvankelijk verschenen bloemstillevens, en even later werd het in de mode om groepen objecten, eetbaar en oneetbaar, op een wit tafelkleed af te beelden, ze migreerden naar afzonderlijke onafhankelijke werken van groepsportretten aan een gedekte tafel.

Het thuisland en het centrum voor het maken van dergelijke stillevens - ze droegen ook de namen "Ontbijten", "Desserts" - werd de Nederlandse stad Haarlem. De meesters beeldden voorwerpen en producten af die in het Nederlandse leven eenvoudig en vertrouwd waren: kaas, ham, fruit, vis, bier, geserveerd in tinnen schalen. Maar de positie van Holland als welvarend en welvarend land, dat schepen naar de uiteinden van de wereld stuurde en een enorme hoeveelheid exotische goederen uit de koloniën aanvoerde, werd weerspiegeld in de kunst. Krabben en kreeften, garnalen en oesters, druiven en olijven kwamen steeds vaker voor in stillevens. Ook de schalen op de schilderijen veranderden - tinnen kommen maakten plaats voor zilveren schalen, kunstenaars schilderden parelmoeren bekers van nautilusschelpen, duur porselein, hoge glazen wijn.

Een van de doelen van het stilleven was om het oog van de eigenaar te plezieren, om de kamer te versieren, en daarom werd "ontbijt" steeds luxueuzer en decoratiever. Elke kunstenaar, tenminste een van degenen die zich geen ambachtsman, maar een schepper voelde, probeerde echter enige betekenis in hun werken te brengen, ze te vullen met symbolen.

Wiens namen en stillevens bewaard zijn gebleven door de geschiedenis van de schone kunsten

Het bijzondere van de Nederlandse schildersmarkt van die tijd is dat elk van de kunstenaars - met uitzondering van enkele grote meesters - in een zeer smalle nis werkte, vaak jarenlang hetzelfde op doek uitbeeldend. Dit was de gemakkelijkste manier om de verkoop van schilderijen aan kopers op te zetten en het hoofd te bieden aan de concurrentie, die in die tijd erg hevig was. Daarom, nu ze zich in een zaal van het museum bevinden, zien de schilderijen er soms uit als een soort "tweeling", waarvan de verschillen pas merkbaar worden na zorgvuldige studie.

Een van de eerste ontbijtstillevens uit de 17e eeuw is het schilderij van de Haarlemse schilder Nicholas Gillis "Gedekte tafel". Objecten op tafel verschijnen vanuit zo'n hoek voor de kijker, alsof ze van een klein beetje van bovenaf worden bekeken. Hierdoor kun je alles op tafel zien en onderscheiden, van een piramide van kazen tot notendoppen.

Om het stilleven interessant en levendig te maken, en niet alleen een afbeelding van een groep verschillende objecten, moest de kunstenaar de compositie zorgvuldig overwegen. Daarom laten de Nederlandse "ontbijten" de indruk van enige intimiteit, alsof de kijker in iemands huis en iemands leven kijkt. De stillevens van Rulof Kuts, een andere schilder uit Harlem, werden gekenmerkt door opzettelijke nalatigheid. Zijn kenmerk was een wijnstok met zorgvuldig geschreven bladeren en opzettelijke nalatigheid, zelfs een puinhoop op de tafel - een verfrommeld tafelkleed, omgevallen bekers, voorwerpen die aan de rand van de tafel hingen.

De twee meesters van het Hollandse stilleven worden gerekend tot de toonaangevende schilders in dit genre. Een van hen was Peter Claes, die zich aanvankelijk ook specialiseerde in stillevens van het type "ijdelheid der ijdelheden" of vanitas, die doen denken aan de kwetsbaarheid van het menselijk bestaan. Na verloop van tijd wijdde hij zich volledig aan "ontbijten", waarbij hij een klein aantal objecten op canvas afbeeldde, waardoor de illusie werd gewekt van een bescheiden maaltijd voor één persoon, alsof iemand voor wie de tafel was gedekt net was vertrokken en op het punt stond terug te keren. De stillevens van Claes zijn ook opmerkelijk omdat ze een driedimensionaal beeld, het spel van licht op objecten, schittering en een zilverachtige toon laten zien.

Een andere uitstekende schilder uit de 17e eeuw, Willem Claesz Heda, wendde zich ook tot het idee van de kwetsbaarheid van het zijn in zijn stillevens - dit is merkbaar in de afbeeldingen van omgekeerde en gebroken glazen. Zijn schilderijen werden ondersteund in een grijze of bruine kleur -groene toon, zonder felle accenten, alleen een wit tafelkleed viel enigszins op en gele citroen of taart. Kheda's werken waren de eerste voorbeelden van monochrome stillevens. De gebruikelijke set objecten in de schilderijen van de kunstenaar - een kan, een schaal, een glas, een ham, een verfrommeld servet, een omgevallen vaas, een half geschilde citroen - vormde in elk nieuw stuk een nieuwe unieke compositie. Kheda bracht zorgvuldig en nauwkeurig de vorm, kleur en textuur van elk object over, en deze betrouwbaarheid gaf het stilleven een mysterie, mysterie.

Wat zou er versleuteld kunnen zijn in ontbijtstillevens?

De moderne kijker krijgt de kans om de producten van vier eeuwen geleden op de Hollandse stillevens te zien en tegelijkertijd de oude manieren om ze te serveren, en dit alleen al doet ons er naar kijken. En bovendien mogen we de symbolen die in de schilderijen verborgen zaten niet vergeten.

Nederlanders zagen graag eenvoudige, alledaagse dingen vol verborgen betekenis, vaak filosofisch. Dat leven en plezier van voorbijgaande aard zijn, 'vermelden' kunstenaars graag in de meeste stillevens. Er wordt aangenomen dat het gaat om ijdelheid en kwetsbaarheid die ze zeggen, bijvoorbeeld gebroken glazen en een gevoel van chaos op tafel. Maar de ham, ham, wijn symboliseren vleselijke, aardse geneugten.

Oesters hadden een dubbelzinnige betekenis, meestal had hun beeld een erotische connotatie - Venus werd immers geboren uit een schelp, maar soms werden ze integendeel gezien als een symbool van een open ziel. De vis herinnerde aan Christus, het mes - aan het offer, de citroen symboliseerde verraad.

Grotendeels vanwege het beeld in stillevens, werden sommige producten bijzonder in trek, dezelfde oesters werden ooit bedreigd met volledige vernietiging, het was noodzakelijk om hun visserij in bepaalde maanden van het jaar te verbieden.

Over het algemeen bood het stilleven de eigenaar de mogelijkheid om de compositie op het canvas onafhankelijk te interpreteren, en te oordelen naar de vraag van het "ontbijt", hielden de Nederlanders en zelfs de buitenlandse kenner van dit genre van deze bezigheid.

Niet alleen stillevens, maar ook andere schildergenres begonnen vier eeuwen geleden, en je kunt het gemakkelijk raden wat is het geheim van de populariteit van de kleine Nederlanders van de 17e eeuw, op wiens schilderijen de Hermitage en het Louvre vandaag de dag trots zijn.