7 meesterwerken van de Hermitage die het bekijken waard zijn in 2020

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

Wetenschappers hebben lang bewezen dat kunst een gunstig effect heeft op de menselijke gezondheid door het niveau van angst en stress in het lichaam te verminderen. Dit geldt vooral voor de schone kunsten en de contemplatie van het schone. Daarom is het, om 2020 te vullen met een gunstige staat van lichaam en geest, de moeite waard om de Hermitage te bezoeken en de beroemdste exposities van het museum te zien.

"Apostelen Peter en Paul" door El Greco

El Greco is een van de slimste en origineelste artiesten. Van oorsprong Grieks, studeerde hij schilderkunst in Italië in het atelier van de grote Titiaan. Hij leerde de olietechniek van zijn idool en werd ook geïnspireerd door de artistieke technieken van het Italiaanse maniërisme. El Greco viel op tussen zijn collega's door de originaliteit van de dramatisch expressieve stijl. In zijn portretten besteedde hij veel aandacht aan psychologische karakterisering. In dit schilderij uit de Hermitage stelt de kunstenaar twee verschillende soorten mensen voor. Links staat de apostel Petrus, die drie keer het bestaan van Christus ontkende. Zijn gezicht drukt droefheid en onzekerheid uit, terwijl zijn gebaren getint zijn met berouw en smeekbeden. De apostel Paulus, die, zoals u weet, oorspronkelijk een ijverige vervolger van christenen was, op de afbeelding toont geestelijke ijver in het bevestigen van de waarheid. De handgebaren die het compositorische middelpunt van het werk vormen, drukken een dialoog uit die de twee apostelen verenigt.

De grijsharige Peter, gehuld in een gouden gewaad, hield zijn hoofd opzij. In zijn linkerhand houdt hij zijn symbool - de sleutel tot het Koninkrijk der Hemelen. Pavel drukt zijn linkerhand stevig tegen het open boek op tafel, zijn rechterhand gaat omhoog in een gebaar van verduidelijking als hij de toeschouwer recht aankijkt. St. Peter en St. Paul komen talloze keren voor in het werk van El Greco, en ze worden met opvallende consistentie afgebeeld. De kunstenaar toont Petra altijd met grijs haar en baard, en vaak draagt hij een geel gewaad over een blauwe tuniek. Paul is altijd een beetje kaal, met donker haar en een baard, in een rood gewaad over blauwe of groene kleren.

"Berouwvolle Maria Magdalena" door Titiaan

De berouwvolle Maria Magdalena is een portret van de heilige Maria Magdalena Titiaan uit omstreeks 1531, met de handtekening 'TITIANUS' op het schip aan de linkerkant. Volgens het complot gaat het om een vrouw met een losbandig verleden, die volgens het evangelie (Lucas 7, 36-50) naar het huis van Simon de Farizeeër kwam om Jezus om vergeving te vragen. Het is een door Titiaan geportretteerd vrouwelijk figuur met dikke, geconcentreerde streken en warme tinten. Het palet benadrukt ongelooflijke ogen gedrenkt in kristallen tranen. Het koperblonde haar dat de figuur bedekt, is verbazingwekkend geschreven. Het thema van de berouwvolle Maria Magdalena, haar ogen opheffend naar de hemel, won in de 16e eeuw grote populariteit in Italië onder aristocraten, religieuze leiders en de rijke middenklasse. Het gebrek aan kleding symboliseert de weigering van de Magdalena van sieraden, goud en wereldse hobby's omwille van het geloof in Christus. Bovendien voldoen het gouden haar en de algemene figuur van de Magdalena aan de normen van schoonheid uit de Renaissance.

"Madonna Litta" van Leonardo da Vinci

Het schilderij dankt zijn naam aan de Milanese adellijke familie, in wiens collectie het het grootste deel van de 19e eeuw werd gevonden. In 1865 kocht de Russische tsaar Alexander II het doek voor de Hermitage, waar het tot op de dag van vandaag wordt tentoongesteld. Dit werk toont de Madonna die het Christuskind borstvoeding geeft. Let op de afwezigheid van nevenbeelden in deze foto. Een aantal doeken van Leonardo demonstreren ditzelfde kenmerk. De figuren zijn geplaatst in een donker interieur met twee gewelfde openingen die uitzicht bieden op het berglandschap. Een interessant detail: in het midden van de afbeelding, in de linkerhand van Christus, staat een distelvink, een symbool van het lijden van Christus.

Het gevoel van de vreugde van het moederschap in het schilderij "Madonna Litta" wordt vooral prachtig weergegeven dankzij de rijkdom van het beeld van Maria zelf - hier vond het zijn volwassen uitdrukking van Leonardo's vrouwelijke schoonheid. Het zachte, mooie gezicht van de Madonna geeft een bijzondere spiritualiteit aan halfgesloten ogen en een lichte glimlach. De compositie van het schilderij valt op door zijn opvallende helderheid en perfectie. De Madonna met Kind was een veelvoorkomend motief in de christelijke kunst tijdens de Middeleeuwen en ging door tot in de Renaissance.

"Luitspeler" Caravaggio

Het schilderij werd gemaakt in opdracht van kardinaal Francesco del Monte, die de kunstenaar betuttelde. Caravaggio portretteerde een jonge man die gefascineerd is door muziek: zijn blik is vol inspiratie, zijn vingers klampen zich vast aan de snaren. De figuur van een jonge man in een wit overhemd steekt duidelijk af tegen een donkere achtergrond. Harde zijverlichting en vallende schaduwen geven objecten een bijna waarneembaar volume en gewicht. De objecten op de foto getuigen van de grote liefde van de kunstenaar voor de wereld om hem heen, zijn verlangen om de natuur waarheidsgetrouw weer te geven, om de materiële kwaliteit van elk detail over te brengen. Op het notitieboekje dat voor de held met een luit ligt, zijn de openingstonen van het in de 16e eeuw populaire madrigaal "Je weet dat ik van je hou" geschreven.

Liefde als thema van dit werk wordt ook door andere objecten aangegeven. De gebarsten luit was bijvoorbeeld een metafoor voor liefde die faalt. Aan het begin van de creativiteit gaf Caravaggio jonge mensen vaak vrouwelijke trekken, wat echter typerend was voor de Italiaanse kunst van het einde van de 16e eeuw. Het is interessant dat de muzikant uit het schilderij uit de Hermitage vaak werd aangezien voor een meisje, en de compositie heette "The Lute Player".

"The Lady in Blue" Thomas Gainsborough

Een van de beste werken van de kunstenaar - "The Lady in Blue" - is gemaakt door Gainsborough in de bloei van zijn creatieve krachten. De figuur van een jonge vrouw in een open jurk van transparante witte stof steekt zacht af tegen een donkere achtergrond. Haar poederige haar is gestyled in een eigenzinnig kapsel. Grote krullen vallen over schuine schouders. De frisheid van het jeugdige gezicht wordt geaccentueerd door halfopen lippen en amandelvormige donkere ogen. Met een lichte beweging van haar rechterhand houdt ze de blauwe zijden sjaal vast. Grijsachtige, blauwachtige, roze en witte tinten worden hier en daar verfraaid met heldere streken en helpen de elegantie en schoonheid van het model over te brengen.

De durf van Gainsborough's picturale technieken verbaasde zijn tijdgenoten. Dus, Reynolds merkte "vreemde vlekken en kenmerken" op in de schilderijen van Gainsborough, "die eerder het resultaat van toeval lijken dan een bewuste bedoeling." Het is deze niet-academische traditie die een van de grootste prestaties van Gainsborough is. "The Lady in Blue" kwam in 1916 de Hermitage binnen uit de collectie van A. 3. Khitrovo bij testament.

De terugkeer van de verloren zoon door Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Dit meesterwerk van bijbelse kunst bevestigt nogmaals Rembrandts status als een van de beste schilders aller tijden en de grootste van alle oude meesters in het weergeven van bijbelse taferelen. Het schilderij De terugkeer van de verloren zoon, voltooid door de kunstenaar in de laatste jaren van zijn leven, toont een scène uit de gelijkenis van Lucas 15: 11-32. Volgens de uitstekende kunstcriticus Kenneth Clarke is het canvas een van de grootste schilderijen aller tijden. Volgens de plot legt de vader, net als de patriarch, zijn handen op de schouders van een geschoren boeteling en gekleed in versleten kleding. Zijn ogen zijn bijna gesloten. De daad van vergeving wordt een zegen van een bijna sacramenteel sacrament.

Dit is een beeld met de grootst mogelijke spiritualiteit, vrij van alle anekdotische aspecten, waarin alle bewegingen en handelingen tot stilstand zijn gekomen. Het tafereel duikt in duisternis, als een tunnel, waaruit de gezichten van de vader en zijn oudste zoon bleek schijnen. Hun rode gewaden geven deze duisternis een gloed. Rembrandt heeft herhaaldelijk over het thema van de verloren zoon geschilderd, maar in deze monumentale olieverfversie kwam hij tot zijn meest opwindende en - dankzij de contrastering van de oudste en de jongere (verloren) zoon - de psychologisch moeilijkste formulering.

"Dans" door Henri Matisse

"Dans" is een van de beroemdste werken van Henri Matisse - een ode aan het leven, vreugde, fysieke afwijzing en een symbool van hedendaagse kunst. Het stuk werd in 1909 in opdracht van de invloedrijke Russische verzamelaar Sergei Shchukin gemaakt om zijn herenhuis te versieren. Gekenmerkt door zijn eenvoud en energie, heeft deze artistieke orgie een onuitwisbare stempel gedrukt op de kunst van de 20e eeuw. De dans werd geschreven op het hoogtepunt van de fauvistische esthetiek en belichaamt de emancipatie van traditionele westerse artistieke tradities. De esthetische keuze van Henri Matisse voor dit schilderij veroorzaakte in 1910 een echt schandaal in kunstsalons. Gedurfde naaktheid en ruwe tinten gaven het beeld een voor die tijd buitengewoon karakter, dat in de ogen van sommige kijkers barbaars leek.

Matisse gebruikte slechts drie kleuren om deze dans weer te geven: blauw, groen en rood. In overeenstemming met de traditionele fauvistische kleurassociaties creëren deze drie tinten een intens contrast. Het doel van Matisse was echter niet om het publiek te shockeren. Integendeel, hij probeerde mensen met elkaar en met de natuur te verenigen. Zoals de kunstenaar zei: "Waar ik van droom is evenwichtige, schone en rustige kunst die problemen of teleurstelling kan voorkomen."