Waarom 32 schilderijen van Andy Warhol, met alleen soepblikken, een kunstsensatie werden

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

9 juli 1962 weinig bekende artiest Andy Warhol opende een kleine tentoonstelling in de Ferus Gallery in Los Angeles. Het thema van de tentoonstelling was gewoon hersenspinsel: het waren blikken soep! Elk van de tweeëndertig schilderijen toont verschillende smaken en aroma's van Campbell's soepen, variërend van tomaat tot peper tot selderijroom. Welke betekenis heeft de kunstenaar aan deze werken gegeven? Wat is het geheim van sensationeel succes en universele erkenning?

Voor Warhol, toen vierendertig jaar oud, was dit de eerste solo-schilderijtentoonstelling. Tegen die tijd was hij al bijna tien jaar een toonaangevende commerciële kunstenaar en werkte hij samen met zakenimperiums zoals Tiffany & Co. en Dior. Andy was vastbesloten om een "echte" kunstenaar te worden, erkend door musea en critici. Zijn geheime wapen? De opkomende stijl van "pop art".

Wat betekenen de soepfoto's?

Pop-art zette de traditionele kunst op zijn kop. In plaats van portretten, landschappen, vechtscènes of andere objecten die experts als 'kunst' beschouwden, namen kunstenaars zoals Warhol afbeeldingen van advertenties, strips en andere elementen van de populaire cultuur. Ze gebruikten humor en ironie om commentaar te leveren op hoe massaproductie en consumentisme het Amerikaanse (en niet-Amerikaanse) leven en cultuur gingen domineren.

Abstracte schilders uit de jaren vijftig zoals Jackson Pollock konden zichzelf verheerlijken als creatieve, individualistische genieën. De kunstenaars van de jaren zestig namen de tegenovergestelde benadering aan. Ze probeerden alle sporen van hun eigen artistieke processen, bijvoorbeeld penseelstreken, glad te strijken of te elimineren. Ze probeerden hun werk altijd bijna mechanisch te laten aanvoelen, zoals het in massa geproduceerde item dat ze portretteerde. Bijna.

Om het Campbell's Soup Can te schilderen, projecteerde Warhol het soepblik op zijn blanco canvas, schetste de contouren en details en vulde het vervolgens zorgvuldig in met penselen en verf. Voor de consistentie gebruikte hij een handstempel om een heraldisch patroon rond de onderkant van elk etiket te tekenen, maar het werkte niet altijd goed. Kleine details - kleine rode vlekjes in het schilderij Tomatensoep, de onregelmatig gestempelde heraldische lelie op andere - verraden de handgemaakte oorsprong van de schilderijen. Met behulp van visuele kunsttechnieken om alledaagse voorwerpen weer te geven, ving Warhol een aanzienlijke controverse op in de pop-art. Hoewel ze eruit moesten zien alsof ze mechanisch waren gemaakt, was elk schilderij iets anders - en niet alleen het label.

Eén ding hebben alle tweeëndertig schilderijen gemeen. In plaats van het ingewikkelde medaillon in het midden van het etiket van elk blikje, dat de "gouden medaille voor kwaliteit" voorstelt die Campbell's soep won op de Parijse Expositie van 1900, verving Warhol het door een eenvoudige gouden cirkel. Warhols biograaf Blake Gopnik dacht er zo over: “Is het gewoon omdat andere verven goud niet goed vasthouden? Of is het omdat het te veel moeite kost om echte medailles te krijgen? Of misschien hield hij gewoon van de grafische stempel van de gouden cirkel?"

Het grafische effect en de sfeer van nostalgie kunnen twee redenen zijn waarom Warhol de Campbell-productlijn als zijn popicoon koos. Het klassieke ontwerp van het label is weinig veranderd sinds het debuut aan het begin van de 20e eeuw. Inclusief het huiselijke cursieve "Campbell", waarvan de archivaris van het bedrijf zei dat het erg leek op de handtekening van oprichter Joseph Campbell. En Warhol zelf groeide op met Campbell's soep. "Ik at het. Al twintig jaar dezelfde lunch', zei hij.

Hoe de schilderijen voor het eerst het licht zagen

Toen de Warhol-tentoonstelling in 1962 werd geopend, stond de popcultuur nog in de kinderschoenen. Mensen hadden geen idee wat ze met kunst aan moesten, die zo anders was dan alles wat kunst moest zijn.

Eerst besloot Irving Blum, een van de eigenaren van de Ferus-galerij, om de schilderijen op smalle planken over de hele lengte van de galerij te tonen, zoals in een gangpad van een supermarkt. "Banken staan in de schappen", zei hij later over zijn installatie. Waarom niet?

De show maakte niet de plons waar Blum en Warhol op hadden gehoopt. In feite was de weinige reactie die werd ontvangen van het publiek of kunstcritici nogal hard. "Deze jonge 'kunstenaar' is ofwel een stompzinnige dwaas of een koppige charlatan", schreef een criticus. Een cartoon in de Los Angeles Times steekt de draak met de schilderijen en hun beoogde publiek. "Eerlijk gezegd werkt aspergecrème niet voor mij", zegt de ene kunstliefhebber tegen de andere, staande in een galerie. "Maar de gruwelijke rijkdom van de kipnoedels geeft me een echt gevoel van zen." De kunsthandelaar naast de Ferus Gallery was nog scherper. Hij zette echte blikken Campbell's soep voor zijn raam, samen met het bijschrift: 'Laat je niet misleiden. Pak het origineel. Onze laagste prijs is twee voor 33 cent."

Ondanks dit alles slaagde Blum erin om vijf schilderijen te verkopen - meestal aan vrienden, waaronder acteur Dennis Hopper. Maar zelfs voordat de show sloot, veranderde hij plotseling van gedachten. Blum realiseerde zich dat schilderijen het meest geschikt waren voor een complete set en kocht de schilderijen die hij verkocht uit. Hij stemde ermee in om Warhol $ 1.000 te betalen voor alles. Warhol was opgetogen - hij beschouwde Campbell's Soup Cans altijd als een set. Voor zowel de artiest als de dealer was deze beslissing een "lastige" zet die in de toekomst zijn vruchten afwierp.

Waarom werden de schilderijen zo'n sensatie?

Toen de schok eenmaal door het publiek en de critici was overwonnen, begonnen ze te rijpen tot de blikken van Warhol. Ten eerste was het een nieuw idee in de kunst. Hoe moeilijk is het om een schilderij te begrijpen als het origineel waarschijnlijk op de keukenplank staat? Critici begonnen de sluwe, ironische humor op te merken in Warhols "portretten" van Scotch Broth en Chicken Gumbo. En Blum's beslissing om de schilderijen bij elkaar te houden, vergroot hun invloed.

De tentoonstelling in de Ferus Gallery markeerde een keerpunt in Warhols carrière. Na Campbell's Soup Cans schakelde Warhol over van tekenen naar zeefdrukken, een proces dat meer mechanische resultaten opleverde en hem in staat stelde meerdere versies van hetzelfde werk te maken. Zijn reputatie bleef groeien. In 1964 was de vraagprijs voor één soepblik schilderij dat ontbrak in Blum's set gestegen tot $ 1.500, en New Yorkse socialites droegen soepblikjes bedrukte papieren jurken die op maat gemaakt waren door Warhol zelf.

Campbell's Soups zelf deed al snel mee. Aan het eind van de jaren zestig greep het bedrijf in op de toen populaire fantasie van papieren jurken met een Souper-jurk en een kleine handtas bedekt met soeplabels in Warhol-stijl. Elke jurk had drie gouden strepen aan de onderkant, zodat de drager de jurk op de perfecte lengte kon knippen zonder het patroon van het blik te hoeven snijden. Prijs: $ 1 en twee Campbell's Soup-labels.

Vandaag de dag blijven de soepblikken van Warhol een icoon van de popcultuur, van borden en mokken tot stropdassen, T-shirts, surfplanken en skateboarddecks. Een van de meest opvallende foto's betrof Warhol zelf: op de cover van Esquire in mei 1969 verdronk hij in een blikje Campbell's tomatensoep.

Uiteindelijk werden de blikken van Warhol door het Museum of Modern Art erkend als kunstwaardig. In 1996 kocht het museum alle tweeëndertig schilderijen van Irving Blum voor een kosmische $ 15 miljoen - een verbluffend rendement op zijn investering van $ 1.000 in 1962. Zelfs de Souper Dress is uitgeroepen tot klassieker. In 1995, een jaar voordat de schilderijen in het Museum of Modern Art arriveerden, kwamen ze in de collectie van het Metropolitan Museum of Art.

Kunst zet ons aan het denken, maar wat wilde de kunstenaar eigenlijk zeggen? Het gebeurt vaak dat het ons gewoon in het hart raakt en bewondering wekt voor de vaardigheid van de maker van het meesterwerk. Lees ons artikel wat is het geheim van de "sluwe" fresco's van de 17e eeuw in de Romaanse kerk van St. Ignatius: 3D-technologieën uit het verleden.