Hoe schilderijen van beroemde kunstenaars onderdeel werden van de mode en vorm gaven aan een nieuwe stijl van de twintigste eeuw

2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14

De verbanden tussen kunst en mode bepalen specifieke momenten in de geschiedenis. Beide mediums weerspiegelen sociale, economische en politieke veranderingen van de roaring twenties tot de levendige eighties. Hier zijn vier voorbeelden van kunstenaars en modeontwerpers die met hun werk hebben bijgedragen aan een nieuw perspectief op kunst en mode in de 20e eeuw.

1. Halston & Warhol: Modebroederschap

De vriendschap tussen Roy Halston en Andy Warhol definieerde de artistieke wereld. Zowel Roy als Andy waren leiders die de weg vrijmaakten om van de kunstenaar/ontwerper een beroemdheid te maken. Ze verwijderden het pretentieuze stigma van de kunstwereld en brachten mode en stijl naar de massa. Warhol gebruikte meerdere keren zeefdruk om de afbeeldingen te maken. Hoewel hij het proces zeker niet heeft uitgevonden, heeft hij een revolutie teweeggebracht in het idee van massaproductie.

Roy gebruikte stoffen en patronen die eenvoudig en elegant waren en toch glamoureus met zijn gebruik van pailletten, ultras en zijde. Hij was een van de eersten die Amerikaanse mode toegankelijk en begeerlijk maakte. Beiden hebben hun laatste stempel gedrukt op kunst en stijl in de jaren zestig, zeventig en tachtig, wat tot op de dag van vandaag voortduurt.

Zowel Roy als Andy hebben aan veel verschillende projecten samengewerkt. Warhol creëerde reclamecampagnes met Halstons kleding en zelfs Halston zelf. Op zijn beurt gebruikte Halston de bloemenprint van Warhol in een aantal van zijn kledingcollecties, van avondjurken tot vrijetijdssets.

Roy gebruikte eenvoudige patronen in zijn kleding, waardoor ze erg succesvol waren. Ze waren comfortabel om te dragen, maar hadden ook een vleugje luxe dankzij de stoffen, kleuren en prints. Warhol vereenvoudigde ook zijn materialen en proces. Dit maakte het makkelijker om zijn werk te reproduceren en beter verkoopbaar te maken.

Commercieel succes heeft zijn eigen uitdagingen voor beide artiesten. Halston was de eerste die in 1982 samenwerkte met winkelketen JCPenney en dit heeft de kwaliteit van zijn merk aangetast. Warhol kreeg ook kritiek, omdat zijn werk als oppervlakkig werd ervaren. Beiden hebben echter hun retail- en marketinggebruik in hun respectievelijke ruimtes gemoderniseerd om merken te creëren voor massaverkoop.

Roy en Andy waren frequente bezoekers van Studio 54. Ze gaven feesten, ontwierpen en produceerden werken voor beroemdheden als Liza Minnelli, Bianca Jagger en Elizabeth Taylor. Dit alles wordt weerspiegeld in hun werk toen ze het discotijdperk van de jaren zeventig inspireerden en definieerden.

Halston stond bekend om het creëren van glinsterende avondkleding. Roy legde de pailletten horizontaal op de stof, waardoor een glanzend effect ontstond van het materiaal dat hij gebruikte om luxueuze outfits te creëren die geliefd waren bij veel glamoureuze dames.

De Warhol Diamond Dust Shoe Series illustreert ook het nachtleven van Studio 54 en de beroemdheden die daar wonen. Diamantstof gebruikte hij over stencils of schilderijen, waardoor het stuk een extra diepte-element kreeg. En zijn schoenen waren oorspronkelijk het idee voor Halstons advertentiecampagne. Deze twee hebben in ieder geval een enorme bijdrage geleverd aan de mode en hebben een onuitwisbare indruk achtergelaten. Zelfs vandaag de dag worden veel moderne ontwerpers geïnspireerd door de ideeën van Andy en Roy en creëren ze prachtige collecties met echo's uit het verleden.

2. Sonia Delaunay: Wanneer kunst mode wordt

Sonia Delaunay bracht niet alleen een revolutie teweeg in een nieuwe vorm van kubisme, maar introduceerde ook de verbinding tussen kunst en mode. Zowel Delaunay als haar man waren pioniers van het orfisme en experimenteerden met verschillende vormen van abstractie in de kunst. Ze was de eerste in haar soort die haar eigen artistieke stijl gebruikte en de modewereld betrad met haar originele textielontwerpen, prints of patronen. Ze staat meer bekend om haar kunst en connectie met haar man dan om haar mode. Haar stijl speelde een grote rol in de jaren 1920, en haar kledingcatalogus wordt meer herinnerd voor foto's en verwijzingen naar haar kunst dan de kledingstukken zelf. Voor Sonya was en is er geen grens tussen kunst en mode. Voor haar zijn ze één en hetzelfde.

Ze begon haar modebedrijf in de jaren 1920, met het maken van kleding voor klanten en het ontwerpen van stoffen voor fabrikanten. Sonya noemde haar label Simultaneous en ging nog verder met het gebruik van kleur en patroon op verschillende onderwerpen. Gelijktijdigheid speelde een belangrijke rol in haar werk en haar ongebruikelijke techniek deed denken aan een patchwork quilt of textiel uit Oost-Europa: kleuren werden over elkaar heen gelegd en patronen werden gebruikt om harmonie en ritme te creëren. Haar gemeenschappelijke thema's zijn vierkanten / rechthoeken, driehoeken en diagonale lijnen of bollen - die elkaar allemaal overlappen in haar verschillende ontwerpen.

Delaunay was een jonge vrouw tijdens het Edwardiaanse tijdperk, toen korsetten en conformiteit de norm waren. Dit veranderde in de jaren 1920 toen vrouwen rokken boven de knie en losse, nauwsluitende kleding begonnen te dragen. Dit aspect is terug te zien in de ontwerpen van Delaunay en ze was gepassioneerd door het creëren van kleding die past bij de behoeften van vrouwen. Sonya ontwikkelde zwemkleding waarmee vrouwen zich comfortabeler konden voelen, zelfs bij het sporten en zwemmen. Ze zette haar prints op jassen, schoenen, hoeden en zelfs auto's, waarbij ze elk oppervlak als canvas gebruikte. Haar ontwerpen creëerden vrijheid van beweging en expressie door kleur en vorm.

Gedurende haar carrière probeerde ze zichzelf constant in iets nieuws, en als gevolg daarvan verhuisde ze naar film en theater. Sonia ontwierp de kostuums voor Rene Le Somptier's The Little Parisian, terwijl haar man de set voor de film deed. Ze was dol op geometrische vormen, combineerde en vermengde ze behendig met elkaar en creëerde bizarre patronen en onderbroken lijnen die haar handelsmerk zijn geworden.

3. Samenwerking tussen Elsa Schiaparelli en Salvador Dali

De avant-garde van de surrealistische kunst wordt gecombineerd met de leider van de surrealistische mode. Salvador Dali en modeontwerper Elsa Schiaparelli hebben gedurende hun hele carrière samengewerkt en elkaar geïnspireerd. Ze creëerden iconische looks zoals Lobster Dress, The Shoe Hat en The Tear Dress die het publiek schokten en inspireerden in zowel kunst als mode. Dali en Schiaparelli hebben de weg vrijgemaakt voor toekomstige samenwerking tussen modeontwerpers en kunstenaars en overbruggen de kloof tussen wat als draagbare kunst wordt beschouwd en mode. Dali gebruikte kreeften als een terugkerend thema in zijn werk en was geïnteresseerd in hun anatomie.

Jurk "Omar" is een gezamenlijk werk van Elsa en Dali, en hun creatie veroorzaakte veel controverse, niet alleen op de dag van zijn debuut, maar ook daarna. Ten eerste heeft het een doorschijnend lijfje en een witte organza-rok. De ongewone outfit blies letterlijk de modewereld op en veroorzaakte veel controverse op dit punt. Het gebruik van witte stof contrasteert ook met de rode kleur van de kreeft. Wit kan als maagdelijk worden beschouwd of symboliseert zuiverheid in vergelijking met rood, wat ontspanning, kracht of gevaar kan betekenen.

Skeletten zijn een ander thema dat te vinden is in surrealistische kunst en is gebruikt in meer samenwerkingen tussen Dali en Schiaparelli. De Skeleton-jurk was de eerste in zijn soort. Elsa gebruikte een techniek genaamd trapunto, waarbij twee lagen stof aan elkaar worden genaaid, waardoor een omtrek ontstaat waar de tussenvulling wordt ingevoegd, waardoor een verhoogd effect ontstaat. Deze techniek creëert een gestructureerd oppervlak op een platte stof, waardoor de illusie wordt gewekt dat menselijke botten door de jurk uitsteken. Dit veroorzaakte een schandaal omdat de jurk was gemaakt van een elastisch materiaal dat aan de huid hechtte. De fantasieën van Dali's schilderijen en tekeningen werden belichaamd in de onwerkelijke wereld van Schiaparelli's outfits, die tot op de dag van vandaag een onuitwisbare indruk maken op zowel kijkers als ontwerpers.

4. Yves Saint Laurent: de botsing van kunst en inspiratie

Waar ligt de grens tussen imitatie en waardering? Critici, publiek, kunstenaars en ontwerpers hebben moeite om te bepalen waar deze lijn loopt. Als het echter om Yves Saint Laurent ging, waren zijn bedoelingen niets meer dan vleierij en bewondering voor de kunstenaars en schilderijen die hij als inspiratie gebruikte. Kijkend naar zijn uitgebreide portfolio, werd Saint Laurent geïnspireerd door culturen en kunst van over de hele wereld, die hij met succes in zijn kleding verwerkte.

Hoewel Yves de kunstenaars die hem inspireerden nooit heeft ontmoet, weerhield dat hem er niet van om kunstwerken te maken als teken van respect voor hen. Laurent liet zich inspireren door kunstenaars als Matisse, Mondriaan, Van Gogh, Georges Braque en Picasso. Hij was kunstverzamelaar en verzamelde schilderijen van Picasso en Matisse, die hij in zijn huis hing.

Yves nam enkele van de kunstmotieven en veranderde ze in prachtige kleding die een eerbetoon is aan enkele van zijn favoriete artiesten. De jaren zestig waren een tijd van revolutie en commercie, een nieuw tijdperk van mode en kunst. De projecten van Saint Laurent kregen commercieel succes toen hij zich begon te laten inspireren door popart en abstractie. In 1965 creëerde hij zesentwintig jurken geïnspireerd op abstracte schilderijen van Piet Mondriaan. De jurken belichaamden Mondriaans gebruik van simplistische vormen en gedurfde primaire kleuren. Yves gebruikte een techniek waarbij er geen naden zichtbaar waren tussen de lagen stof, waardoor de indruk werd gewekt dat de kleding uit één stuk bestond. Saint Laurent nam de kunst van Mondriaan uit de jaren twintig over en maakte deze draagbaar ten opzichte van de jaren zestig.

Modejurken zijn klassieke voorbeelden van de stijl uit de jaren 60. Ze waren vergelijkbaar met kleding uit de jaren 1920 die minder strak was en mouwen en zoomlijnen had die grote stukken huid blootlegden. De vierkante silhouetten van Saint Laurent gaven vrouwen een licht en vrij gevoel. Dit leidde hem ook tot inspiratie van popart-artiesten als Tom Wesselman en Andy Warhol. Hij creëerde een lijn van op popart geïnspireerde ontwerpen met silhouetten en uitsnijdingen op zijn kleding. Het ging over het overwinnen van de beperkingen van wat abstractie is in kunst en de commercialisering van design. Laurent bracht deze twee ideeën samen om kleding voor vrouwen te creëren die gratis en aantrekkelijk is voor moderne dames.

De Vincent Van Gogh-jassen van Saint Laurent zijn een voorbeeld van hoe Yves kunstenaarsinspiratie combineerde met zijn eigen ontwerptalenten. Net als zijn andere kledingstukken werden kunstenaarsgerelateerde thema's niet gekopieerd en geplakt op de kleding van Saint Laurent. In plaats daarvan koos hij ervoor om ze als inspiratiebron te gebruiken en stukken te maken die zijn eigen stijl weerspiegelen. Het jasje is een voorbeeld van de stijl van de jaren 80, die is geborduurd met zonnebloemen in de pittoreske stijl van Van Gogh.

Laurent heeft samengewerkt met Maison Lesage, een leider in haute couture-borduurwerk. Jas "Sunflowers" is geborduurd met buisvormige kralen. De bloemen zijn gevuld met verschillende tinten oranje en gele glitters. Hierdoor ontstaat een multidimensionale textuur die lijkt op Van Goghs techniek om dikke verf op canvas aan te brengen. Het wordt geschat als een van de duurste haute couture-items die ooit zijn gemaakt en verkocht bij Christie's voor bijna vierhonderdduizend euro. Saint Laurent maakte de weg vrij voor het dragen van kleding als een kunstwerk op zich, ongeacht mode en tijdsperiode.

Voortzetting van het onderwerp, lees ook over wat Saeko Yamaguchi naar succes leidde, waardoor ze een van de meest geliefde muzen van Kenzo en Yamamoto werd.