Video: Hoe het zelfportret van Albrecht Durer schandaal en onvrede veroorzaakte in de kunstwereld
2024 Auteur: Richard Flannagan | [email protected]. Laatst gewijzigd: 2023-12-16 00:14
Het is moeilijk te begrijpen wat de bedoelingen van deze of gene kunstenaar waren toen hij zijn werken maakte. Daarom proberen wetenschappers, historici en kunstcritici al jaren dit mysterie op te lossen. In het geval van Albrecht Dürer was er veel controverse over de precieze bedoeling van de kunstenaar met zijn beroemde zelfportret uit 1500, waarrond nog steeds passies bestaan.
Albrecht werd geboren in 1471 in de Duitse stad Neurenberg. Vanaf zijn elfde werkte hij als leerling bij zijn vader, een juwelier, die hem de onschatbare vaardigheden van tekenen en graveren leerde, die later een beslissende rol speelden in zijn carrière als kunstenaar. Albrechts talent en roem op jonge leeftijd was ook het resultaat van veel geluk. De steun van zijn peetvader, Anton Koberger, een van de meest succesvolle uitgevers van die tijd in Duitsland, betekende zijn onmiddellijke en gemakkelijke erkenning als schrijver en drukker. Bovendien was de leer van Dürer ronduit buitengewoon. Zijn driejarige leertijd op vijftienjarige leeftijd, onder leiding van Neurenbergs toonaangevende schilder en graficus Michael Wolgemuth, introduceerde hem in de kunst van het houtsnijden, waarin hij later uitblonk.
Al dit geluk, deze ervaring en opleiding leidden de jonge Albrecht natuurlijk tot instant artistiek succes. Na uitgebreide reizen naar enkele van de culturele hoofdsteden van de wereld, begon Dürer zijn vaardigheden echt aan te scherpen. Met name zijn reis naar Italië en Nederland in de vroege jaren 1490 introduceerde de kunstenaar tot opwindende innovaties en nieuwe vormen van artistieke expressie die zijn creatieve praktijk beïnvloedden. Toen Albrecht triomfantelijk terugkeerde naar Neurenberg met zijn verloofde Agnes Frey, was hij al een vrij bekende kunstenaar en zelfstandig graveur.
De terugkeer naar Neurenberg betekende ook de opening van de eigen werkplaats van Albrecht Dürer, waar hij zich toelegde op het maken van houtsneden. Over het algemeen wordt aangenomen dat hij zich meer toelegde op prenten dan op olieverfschilderijen, omdat het maken van prenten veel gemakkelijker en veel winstgevender was. Deze praktijk stelde hem in staat zijn naam als uitzonderlijke kunstenaar over het hele continent te verstevigen, omdat zijn prenten van een veel hogere kwaliteit waren dan die in Duitsland werden verspreid. Bovendien zouden gravures wijdverbreid kunnen zijn, in tegenstelling tot olieverfschilderijen.
Dürer wist heel goed dat schilderijen iets eenmaligs zijn: in de meeste gevallen zijn ze bedoeld om door één persoon te worden verkocht en bewonderd. Daarom werd hij van nature aangetrokken tot de productie en verkoop van zijn prenten. Het bleek een uiterst winstgevende beslissing te zijn, aangezien hij regelmatig opdrachten ontving en zelfs projecten voltooide voor de Heilige Roomse keizer Maximiliaan I.
Albrecht liet de schilderkunst echter niet helemaal los. Integendeel, diep beïnvloed door de verschillende innovaties van kunstenaars die hij tijdens zijn reizen tegenkwam, begon hij te experimenteren met verschillende compositorische elementen: kleur, lichaamshouding, belichting en penseelstreken. Deze compositie-experimenten leidden tot de productie van een kleine serie zelfportretten, die begon in 1493 en eindigde met zijn laatste deel van het originele zelfportret in 1500. In dit stuk lijkt Dürer zichzelf te portretteren in een heel vertrouwd beeld, meestal herkenbaar in religieuze iconografie.
De artistieke bekwaamheid en religieuze elementen van het zelfportret uit 1500 zijn onmiskenbaar. Toch wordt het werk van Dürer historisch erkend als iets minder vroom. Interessant is dat het werk relatief weinig aandacht kreeg tijdens de eerste release van het portret. Verrassend genoeg werden Albrecht en zijn portret driehonderd jaar later als godslasterlijk gebrandmerkt. Wat kan er in deze tijd veranderd zijn? Eigenlijk zijn interpretatie.
Veel, zo niet de meeste interpretaties die de kijker aanhangt in relatie tot kunstwerken komen tot ons uit het veld van de kunstgeschiedenis en kunstgeschiedenis. Deze disciplines ontstonden over het algemeen in de tweede helft van de 18e eeuw en werden in de 19e en 20e eeuw in het publieke debat als academische velden gevestigd. Het begrijpen van dit concept is van cruciaal belang omdat observeren de eerste orde van zaken is voor elke toekomstige kunsthistoricus of criticus, ongeacht hun historische context.
Toen kunsthistorici naar het zelfportret van Albrecht Durer uit 1500 keken, zagen ze allemaal een nep-laat-Noord-middeleeuwse afbeelding van Jezus Christus. Meer in het bijzonder is te zien dat Dürer recht vanaf het doek naar de toeschouwer kijkt, naar voren gericht, vanaf het middel omhoog en in perfecte symmetrie naar het doek toe. Daarnaast draagt hij lang en licht krullend haar dat goudbruin is, een tint die afwijkt van zijn eigen natuurlijke pigment. Zijn rechterarm is gebogen in een intrigerend gebaar, terwijl zijn linker zijn kraag vasthoudt. Ten slotte draagt de gouden letters op de effen achtergrond een unieke boodschap:.
Al deze compositorische elementen geven opzettelijk het beeld van de Heiland aan. Er is geen controverse rond het feit dat Dürer zijn portret schilderde in een van de meest herkenbare stilistische tradities die voorbehouden zijn aan de figuur van Jezus Christus. Deze stilistische traditie wordt Christus Pantokrator genoemd en wordt beschouwd als een van de meest herkenbare artistieke stijlen in de christelijke iconografie. Deze methode van religieuze beeldspraak was vrij wijdverbreid in de Middeleeuwen en is te vinden in veel fresco's en mozaïeken, evenals in de meeste afbeeldingen van Christus in de Grieks en Oosters-orthodoxe christelijke traditie.
In de tijd van Albrecht geloofde men dat er schriftelijke bewijzen waren van de figuur van Christus. Zoals verwacht stileerde Dürer zichzelf in de afbeelding die in de beschrijving wordt beschreven, waarbij hij bijvoorbeeld de tint van zijn blonde haar veranderde in de kleur van een rijpe walnoot.
De vraag blijft waarom Albrecht zichzelf bewust heeft afgebeeld op een manier die uitsluitend voor een religieuze figuur is bedoeld. Het publiek zal zeker zo'n stap zetten als een uiting van regelrechte arrogantie. Verrassend genoeg was er tijdens het uitbrengen van het portret niet zo veel overlast en lawaai als het op het eerste gezicht lijkt. Dit suggereert dat Dürer zijn portret schilderde als een vorm van oefening voor persoonlijk gewin en om de artistieke innovaties van zijn tijd verder te verkennen. Niettemin beschouwden de meeste van zijn tijdgenoten het werk van Albrecht als een oefening van de godvruchtige persoon die een beeld schept in de wijdverbreide traditie van "Navolging van Christus": de religieuze praktijk van het volgen in de voetsporen van Christus.
Toen kunsthistorici uit het begin van de 19e eeuw, zoals Moritz Thosing, het werk analyseerden, ontdekten ze echter dat in plaats van dat Dürer het beeld van Christus imiteerde, elk beeld van Christus na Dürer werd gekopieerd van zijn eigen beeld. Dit betekent dat Albrechts Zelfportret destijds zo gerespecteerd en invloedrijk was dat het de basis werd voor latere afbeeldingen van religieuze figuren. Het was een kolossale prestatie en een soort succes. Toen kijkers van de christelijke renaissancebeweging dit beeld echter aan het eind van de 19e en het begin van de 20e eeuw opnieuw bekeken, ontdekten ze dat het niets te maken had met de goddelijke macht die Christus had. De beroemde kunsthistoricus Erwin Panofsky noemde het zelfportret van Albrecht zelfs 'godslasterlijk'.
Helaas is het onwaarschijnlijk dat de kijker ooit zal weten hoe nauwkeurig de uitspraken en conclusies van 19e- en 20e-eeuwse kunsthistorici waren, aangezien hun werk grotendeels speculatief blijft. Op basis van enkele bekende feiten over het leven van Albrecht Dürer en de compositorische elementen van het schilderij, kan men echter proberen een gefundeerde schatting te maken. Het overkoepelende verhaal dat we uit 1500's Self-Portrait kunnen trekken, is dat van een zelfverzekerde kunstenaar.
Zoals Dürer zelf aangaf, voltooide hij het werk aan het werk voordat hij de leeftijd van negenentwintig bereikte en werkte hij vele jaren als een gerespecteerd kunstenaar in zijn thuisland en andere kunstcentra in heel Europa. Het is ook veilig om aan te nemen dat er een speciaal talent voor nodig is om een hele stilistische traditie te beïnvloeden, zoals het geval was met Dürer en zijn portret.
Wat uit het werk van Dürer kan worden geleerd, is hoe de kunstgeschiedenis de vertelling van het kunstwerk en de acceptatie ervan door het publiek beïnvloedt. Ondanks het al dan niet bestaan van symbolische elementen of pogingen om religieuze overtuigingen en iconografie te ondermijnen, is het Zelfportret van Albrecht Dürer een werk van onmiskenbare artistieke vaardigheid en sublieme compositorische schoonheid.
Lees ook over wat waren de eerste premoderne musea? en waarom ze ooit erg populair waren onder verzamelaars en brillen.
Aanbevolen:
Hoe christenen de regels van het kruisteken veranderden en waarom het zoveel problemen veroorzaakte
Bij het betreden en verlaten van de tempel, na gebed, tijdens de dienst, maken christenen het kruisteken - met een beweging van hun hand reproduceren ze het kruis. Meestal zijn in dit geval drie vingers verbonden - de duim, wijsvinger en middel, dit is de methode van het maken van vingers die door orthodoxe christenen is aangenomen. Maar hij is niet de enige - en al vele eeuwen is er discussie over hoe je op de juiste manier gedoopt kunt worden. Op het eerste gezicht lijkt het probleem vergezocht, maar in werkelijkheid ligt het achter tweevingerige, drievingerige en andere manieren
De slechte ironie van het lot van Yuri Stepanov: wat veroorzaakte het voortijdige vertrek van de ster van de serie "Penal Battalion"
Hij kreeg slechts 42 jaar van het leven toegewezen, maar gedurende deze tijd slaagde hij erin ongeveer 50 filmrollen te spelen, waarvan de beroemdste de hoofdrolspelers waren van de films "Dancer's Time", "The Artist" en "Karasi", evenals de series "Citizen Chief" en "Strafbataljon". 10 jaar geleden werd zijn pad afgebroken door een absurd ongeluk, precies bij het opstijgen, op het moment dat, zowel in zijn professionele als in zijn persoonlijke leven, alles eindelijk in orde leek te komen alsof het lot hem had beloond voor vele jaren van hard werken. aan zichzelf werken
Wat is het geheim van Rembrandts zelfportret, dat het record van wereldveilingen brak?
Geen enkel kunstenaarsgezicht is zo herkenbaar als het gezicht van Rembrandt: hij legde zijn beeld vast in een grote verscheidenheid aan sferen en kostuums in ongeveer tachtig schilderijen, prenten en tekeningen, en schetste met meedogenloze introspectie de veranderingen: van een ambitieus en zelfverzekerd jeugd van tweeëntwintig jaar tot een versleten en te vroeg oude man van drieënzestig jaar. En een van deze zelfportretten vestigde onlangs een nieuw wereldrecord. Het was verkocht
Niet-Sovjet-relaties: waarom de film "School Waltz" een schandaal veroorzaakte?
Toen eind jaren zeventig. regisseur Pavel Lyubimov begon met de opnames van de film "School Waltz", bijna de hele filmploeg twijfelde of de film zou uitkomen. Het onderwerp was erg "glad" - het liefdesverhaal van tiende klassers was niet kuis, bovendien had de film zulke plotbewegingen dat het moeilijk was om je eerder in de Sovjet-cinema voor te stellen! Wat vooral critici en kijkers van volwassen leeftijd boos maakte, en waarom "School Waltz" schandalige bekendheid kreeg - verder in de recensie
Achter de schermen "Vogelverschrikkers": waarom de film een schandaal veroorzaakte en hoe het lot van de kindacteurs zich ontwikkelde
35 jaar geleden vond de première van deze film pas plaats na tussenkomst van Andropov - de ambtenaren wilden hem niet op de schermen vrijgeven vanwege het feit dat Sovjetkinderen te wreed werden getoond. De verschijning van "Vogelverschrikker" veroorzaakte een zeer gewelddadige reactie van zowel kijkers als critici: de regisseur Rolan Bykov werd beschuldigd van buitensporige weergave van kindermishandeling en het forceren van zwarte verf, niet vermoedend dat de plot niet gebaseerd was op een fictieve, maar op een echte verhaal. Een paar jaar later ontving de film Gospre